विलियम Shakespeare: अंग्रेज़ी भाषा के सबसे महान लेखक

परिचय: अमर कवि

William Shakespeare, जिनका जन्म Stratford-upon-Avon में अप्रैल 1564 में हुआ और जिनकी मृत्यु वहीं अप्रैल 1616 में हुई, उन्होंने अपने बावन वर्षों के मध्य काल में ऐसे नाटक और कविताएँ लिखीं जिन्हें अंग्रेज़ी भाषा में आज तक पार नहीं किया जा सका, और जो चार शताब्दियों तथा दर्जनों भाषाओं में पाठकों की दृष्टि में विश्व की महानतम साहित्यिक कृतियों में गिनी जाती हैं। उन्होंने कम से कम सैंतीस नाटक, एक सौ चौवन सॉनेट और कई लंबी कविताएँ लिखीं, और Elizabethan तथा Jacobean लंदन के व्यावसायिक रंगमंच में जिस गति और सहजता से काम किया वह उन लोगों को भी चकित कर देती है जो उनके काम से सबसे अधिक परिचित हैं।

Shakespeare के जीवन के तथ्य आश्चर्यजनक रूप से कम हैं, उस व्यक्ति के लिए जिसने इतनी विशाल सांस्कृतिक विरासत छोड़ी। उनका बपतिस्मा 26 अप्रैल, 1564 को हुआ था — उनका जन्मदिन परंपरागत रूप से 23 अप्रैल, St. George's Day पर मनाया जाता है — Warwickshire के Stratford-upon-Avon में, वे John Shakespeare के पुत्र थे, जो एक दस्ताना बनाने वाले और स्थानीय अधिकारी थे, और Mary Arden के, जो एक समृद्ध किसान की बेटी थीं। उन्होंने Stratford के King's New School में पढ़ाई की, जहाँ उन्हें लैटिन साहित्य और वक्तृत्व कला की गहन शास्त्रीय शिक्षा मिली होगी। उन्होंने 1582 में Anne Hathaway से विवाह किया, जब वे अठारह वर्ष के थे और वह छब्बीस की थीं। उनके तीन बच्चे हुए: Susanna, जो 1583 में पैदा हुई, और जुड़वाँ Hamnet और Judith, जो 1585 में पैदा हुए।

1585 और 1592 के बीच किसी समय — जिसे "खोए हुए वर्ष" कहा जाता है — Shakespeare ने Stratford छोड़ा और लंदन पहुँचे, जहाँ उन्होंने उस युग के फलते-फूलते व्यावसायिक रंगमंच में एक अभिनेता और नाटककार के रूप में अपनी पहचान बनाई। 1592 तक वे इतने सफल हो चुके थे कि नाटककार Robert Greene ने ईर्ष्यावश उनका उल्लेख "एक घमंडी कौवे" के रूप में किया। 1594 तक वे Lord Chamberlain's Men के संस्थापक शेयरधारक बन गए, जो उस युग की सबसे सफल नाट्य मंडली थी। 1599 तक वे Thames के दक्षिणी तट पर स्थित Globe Theatre के सह-स्वामी बन गए। वे लगभग 1613 में Stratford लौट आए और 23 अप्रैल, 1616 को वहीं उनका निधन हो गया।

ये सूखे तथ्य जितना बताते हैं उससे कहीं अधिक छिपाते हैं। Shakespeare के अंतर्मन, उनके विचारों, उनके संबंधों या उनकी रचना-प्रक्रिया के बारे में हम लगभग कुछ भी नहीं जानते। उन्होंने न कोई पत्र छोड़ा, न कोई डायरी, न अपने नाटकों की कोई पांडुलिपि अपने हाथ से लिखी, न किसी प्रकार का कोई व्यक्तिगत विचार। उनके बारे में जो कुछ हम जानते हैं वह कानूनी दस्तावेज़ों, संपत्ति के अभिलेखों, चर्च के रजिस्टरों और समकालीनों की गवाहियों से आता है — ऐसे स्रोत जो हमें बताते हैं कि उनका बपतिस्मा कब हुआ, उनके पास क्या था, उन्होंने किस पर कर्ज़ के लिए मुकदमा किया और उन्हें कहाँ दफनाया गया, लेकिन उस व्यक्ति के अंतर्जीवन के बारे में लगभग कुछ नहीं जो Hamlet और King Lear का रचयिता था।

इस जीवनी-संबंधी मौन ने सदियों की अटकलों और जाँच-पड़ताल को जन्म दिया है — कुछ विद्वत्तापूर्ण और ज्ञानवर्धक, बहुत-सी कल्पनाप्रसूत और भ्रामक। इसने संदेह की एक स्थायी धारा भी उत्पन्न की है कि क्या Stratford के Shakespeare वास्तव में उन कृतियों के लेखक थे जो उनके नाम से प्रचलित हैं — एक ऐसा प्रश्न जो लोकप्रिय जिज्ञासा को आकर्षित करता रहता है, किंतु विद्वत्-समुदाय इसे गंभीरता से नहीं लेता, जो Shakespeare के लेखकत्व के प्रमाण को अकाट्य मानता है।

Stratford-upon-Avon: वह दुनिया जिसमें Shakespeare पले-बढ़े

Shakespeare को समझने के लिए यह समझना ज़रूरी है कि सोलहवीं सदी के उत्तरार्ध में Stratford-upon-Avon कैसा था। यह शायद 1,500 से 2,000 लोगों का एक बाज़ार कस्बा था, जो एक व्याकरण विद्यालय, एक गिल्ड हॉल और नियमित बाज़ारों को बनाए रखने के लिए पर्याप्त समृद्ध था, लेकिन इतना छोटा था कि सब एक-दूसरे को जानते थे। कस्बे की अर्थव्यवस्था कृषि और व्यापार पर आधारित थी; यह ऊन और चमड़े के व्यापार का केंद्र था, जो John Shakespeare के दस्ताना बनाने के पेशे की व्याख्या करता है।

Elizabethan Stratford का सामाजिक जगत उन पद-श्रेणियों और व्यावसायिक श्रेणीक्रम द्वारा संचालित था जो उस काल में समूचे अंग्रेज़ी समाज को संरचित करते थे। John Shakespeare ने स्थानीय शासन की सीढ़ियाँ चढ़ीं — एल-परखने वाला, सिपाही, पार्षद, बेलिफ — एक ऐसे पथ पर जो उनकी अपनी महत्वाकांक्षाओं और परिवार के उत्थान दोनों को दर्शाता था। 1597 में New Place नामक विशाल मकान की उनकी खरीद — जो Stratford का दूसरा सबसे बड़ा घर था — परिवार की सफलता का सबसे दृश्यमान प्रमाण था, और इस खरीद का वित्तपोषण Shakespeare के पुत्र ने अपने नाट्य-कैरियर के लाभ से किया था।

Stratford का सांस्कृतिक संसार उसके छोटे आकार की तुलना में उतना प्रांतीय नहीं था जितना लग सकता है। कस्बा लंदन और उत्तर के बीच मुख्य मार्ग पर था, और दौरे पर आने वाली नाट्य मंडलियाँ वहाँ नियमित रूप से प्रदर्शन करती थीं, जिससे युवा Shakespeare को व्यावसायिक रंगमंच का पहला परिचय मिला। काउंटी टाउन Warwick पास में था, और कैथेड्रल शहर Coventry एक दिन की यात्रा पर था। व्याकरण विद्यालय का पाठ्यक्रम, जो लैटिन वक्तृत्व और साहित्य पर बल देता था, Stratford को उस यूरोपीय मानवतावादी परंपरा से जोड़ता था जो प्रारंभिक Tudor काल से अंग्रेज़ी बौद्धिक जीवन को नया रूप दे रही थी।

Shakespeare की माँ, Mary Arden, अपने पति से ऊँचे सामाजिक दर्जे के परिवार से थीं, और यह मिश्रित सामाजिक उद्गम Shakespeare को उन वर्ग-श्रेणीक्रमों पर द्विविध दृष्टिकोण दे सकता था जो उनके नाटकों में इतने केंद्रीय हैं। उन्होंने राजाओं और विदूषकों, दरबारियों और कारीगरों के बारे में समान आत्मविश्वास से लिखा, और उनके नाटक दरबार की उच्च भाषा और सराय, बाज़ार और खेत की बोलचाल के बीच सहज रूप से आवागमन करते हैं।

Shakespeare के बचपन में Stratford का धार्मिक संसार English Reformation के तनावों से चिह्नित था। Henry VIII के रोम से विच्छेद और तत्पश्चात Edward VI, Mary और Elizabeth के धार्मिक परिवर्तनों ने अंग्रेज़ी धार्मिक जीवन को अनिश्चितता और संघर्ष की स्थिति में छोड़ दिया था। इसके प्रमाण हैं कि John Shakespeare की कैथोलिक सहानुभूतियाँ हो सकती थीं — अठारहवीं सदी में उनके नाम से एक आध्यात्मिक वसीयत की खोज हुई, हालाँकि इसकी प्रामाणिकता विवादित रही है — और कुछ विद्वानों ने तर्क दिया है कि Shakespeare स्वयं भी जीवन भर कैथोलिक धर्म के प्रति सहानुभूति रखते रहे। ये दावे विवादास्पद बने हुए हैं, लेकिन वे उस धार्मिक संसार की वास्तविक ऐतिहासिक जटिलता को दर्शाते हैं जिसमें Shakespeare पले-बढ़े।

लंदन का नाट्य-जगत

जिस रंगमंच में Shakespeare ने काम किया वह एक व्यावसायिक संस्था थी जो अंग्रेज़ी-भाषी दुनिया में पहले कभी अस्तित्व में नहीं थी। 1570 के दशक से लंदन की बाहरी सीमाओं पर उभरने लगे उद्देश्य-निर्मित सार्वजनिक नाट्यगृह — The Theatre, The Curtain, The Rose, The Globe — बड़े खुले-आकाश ढाँचे थे जो कई हज़ार दर्शकों को समाहित कर सकते थे, और जो नाट्य-सीज़न के दौरान लगभग प्रतिदिन नाटक प्रस्तुत करते थे। इन थिएटरों पर काबिज़ मंडलियाँ शेयरधारक-अभिनेताओं और किराए के लोगों के पेशेवर संगठन थीं, जो अपनी आमदनी के लिए टिकट-बिक्री पर निर्भर थीं और लंदन की जनता का ध्यान और पैसा पाने के लिए तीव्र प्रतिस्पर्धा में थीं।

इस व्यावसायिक रंगमंच के दर्शक यूरोपीय रंगमंच के इतिहास में असाधारण रूप से सामाजिक विविधता वाले थे। सबसे सस्ता प्रवेश, एक पैनी, मंच के चारों ओर बने आँगन में खड़े होने की जगह देता था; अधिक महंगी दीर्घाओं में उन लोगों के लिए बैठने की व्यवस्था थी जो खर्च कर सकते थे; और सबसे महंगी जगहें मंच के नज़दीक के निजी बक्सों में थीं। इस मूल्य-संरचना ने एक ही नाट्य-स्थल में दरबारियों और अभिजातों, व्यापारियों और वकीलों, शिष्यों और नौकरों, और मध्यम वर्गीय लंदन समाज के पूरे दायरे को एक साथ ला दिया। इस दर्शक-वर्ग के लिए लिखने के लिए उन सभी को एक साथ आकर्षित करने की क्षमता चाहिए थी — शिक्षितों के लिए उन्नत वक्तृत्व, खड़े दर्शकों के लिए शारीरिक हास्य और फूहड़ चुटकुले, और उन लोगों के लिए नैतिक तथा राजनीतिक चिंतन जो उसमें रुचि रखते थे।

Shakespeare और उनके समकालीनों ने जो नाटक लिखे वे तत्काल प्रदर्शन के लिए थे, पढ़ने के लिए नहीं। वे अभिनेताओं के लिए लिपियाँ थीं, छात्रों के लिए साहित्यिक पाठ नहीं, और उनकी भाषा आवाज़ और शरीर के लिए बनाई गई है, पृष्ठ के लिए नहीं। संकुचित रूपक, भाव-परिवर्तन की त्वरित गति, वे भाषण जो प्रत्येक पुनर्पाठ के साथ परतों में अर्थ खोलते प्रतीत होते हैं — ये सब एक नाट्य-बुद्धि की उपज हैं जो इस दृष्टि से सोचती थी कि मंच पर क्या काम करेगा, दर्शक क्या सुनेगा और महसूस करेगा, क्या उन बड़े खुले-आकाश थिएटरों में पहुँचेगा जिनमें Shakespeare काम करते थे।

नाट्य-निर्माण की सहयोगी प्रकृति यह समझने के लिए महत्त्वपूर्ण है कि Shakespeare के नाटक कैसे बने। वे एक ऐसी मंडली में काम करते थे जिसके वे शेयरधारक और नियमित अभिनेता थे, और वे ऐसे नाटक लिखते थे जो मंडली के अभिनेताओं की विशिष्ट क्षमताओं के अनुरूप थे। उनके परिपक्व काल की महान त्रासद भूमिकाएँ — Hamlet, Othello, Lear, Macbeth — संभवतः Richard Burbage के लिए लिखी गई थीं, जो मंडली के प्रमुख अभिनेता थे। संगीत-प्रतिभा की माँग करने वाली हास्य भूमिकाएँ Robert Armin के लिए लिखी गई थीं, जो लगभग 1599 में मंडली में शामिल हुए। जो नाटक बचे हैं वे व्यक्तिगत साहित्यिक सृजन के स्मारक नहीं बल्कि एक सहयोगी नाट्य-उद्यम के अभिलेख हैं।

प्रारंभिक नाटक और कविताएँ

Shakespeare की प्रारंभिक कृतियाँ, जो 1580 के दशक के अंत और 1590 के दशक की शुरुआत में लिखी गईं, एक ऐसे लेखक को दर्शाती हैं जो Elizabethan मंच के रूपों और परंपराओं में पारंगत होते हुए उन प्रतिभाओं का प्रदर्शन पहले से ही कर रहा था जो उनके परिपक्व काम को विशिष्ट बनाएंगी। Henry VI के तीन भाग और Richard III Hall और Holinshed के अंग्रेज़ी इतिहास-वृत्तांतों पर आधारित हैं और Wars of the Roses का एक विस्तृत आख्यान रचते हैं जिसने Shakespeare को ऐसे लेखक के रूप में स्थापित किया जो विशाल ऐतिहासिक कैनवास और जटिल राजनीतिक विषयों को संभालने में सक्षम था। Richard III विशेष रूप से Shakespeare के सबसे सम्मोहक प्रारंभिक पात्रों में से एक को प्रस्तुत करता है — शारीरिक रूप से विकृत, मनोवैज्ञानिक रूप से जटिल Gloucester का Richard — और नाटककार की उस उल्लेखनीय क्षमता को दर्शाता है जो एक लंबे नाटक के दौरान नाट्य-व्यक्तित्व को बनाए रखती है।

उसी काल की हास्य कृतियाँ — The Comedy of Errors, The Two Gentlemen of Verona, Love's Labour's Lost — अधिक प्रायोगिक और कम आश्वस्त हैं, हालाँकि प्रत्येक में असाधारण शाब्दिक कौशल के अंश हैं। The Comedy of Errors रोमन आदर्शों को Elizabethan सामग्री के साथ एक यांत्रिक सटीकता से ढालती है जो बाद की रोमांटिक हास्य कृतियों में और परिष्कृत होगी; Love's Labour's Lost संभवतः Shakespeare के नाटकों में सबसे अधिक शाब्दिक उत्कर्ष वाला है, अंग्रेज़ी वक्तृत्व-बुद्धि की संभावनाओं का एक उत्सव जिसका उनके काम में कोई सटीक समानांतर नहीं है।

1590 के दशक की शुरुआत की कविताएँ — Venus and Adonis (1593) और The Rape of Lucrece (1594) — Shakespeare की पहली प्रकाशित कृतियाँ थीं और स्पष्ट रूप से उन्हें एक महज लोकप्रिय मनोरंजक के बजाय एक गंभीर साहित्यिक कलाकार के रूप में अपनी प्रतिष्ठा स्थापित करने के लिए बनाई गई थीं। Venus and Adonis Southampton के Earl को समर्पित थी और Shakespeare के जीवनकाल में कई संस्करणों से गुज़री, जो यह बताता है कि यह अपने अभीष्ट पाठक-वर्ग — फ़ैशनेबल Ovidian शैली में बुद्धिमान कामुक कविता के इच्छुक शिक्षित पाठकों — तक पहुँची। The Rape of Lucrece एक गंभीर रचना है जो एक ऐसी कथा के माध्यम से सम्मान और लज्जा के विषय को विकसित करती है जो अंशतः यौन हिंसा के राजनीतिक निहितार्थों पर एक चिंतन के रूप में पढ़ी जाती है।

सॉनेट, जिनमें से 154 1609 में प्रकाशित हुए, लगभग निश्चित रूप से एक ही सतत प्रयास में नहीं बल्कि एक लंबी अवधि में लिखे गए। वे दो प्रमुख व्यक्तित्वों को संबोधित करते हैं — एक आदर्शीकृत युवक (सॉनेट 1-126 का संबोधित पात्र) और एक श्याम-केशी स्त्री (सॉनेट 127-154 का संबोधित पात्र) — और वे उल्लेखनीय गहराई और जटिलता के साथ प्रेम, समय, सौंदर्य, कामना, ईर्ष्या और कविता की उस शक्ति के विषयों की पड़ताल करते हैं जो उसे सुरक्षित रखती है जिसे समय नष्ट कर देता है। सॉनेट की आत्मकथात्मक सामग्री — युवक और श्याम स्त्री की पहचान — ने विशाल विद्वत्तापूर्ण और लोकप्रिय अटकलबाज़ी जन्म दी है, जिनमें से कोई भी निर्णायक नहीं है। जो विवादास्पद नहीं है वह है कविताओं की असाधारण गुणवत्ता: उनका संघनन, उनकी भावनात्मक विस्तार-सीमा, सॉनेट-रूप पर उनकी कुशलता, और मानवीय प्रेम तथा मानवीय मृत्युबोध के संबंध की उनकी निरंतर जाँच।

परिपक्व हास्य कृतियाँ: A Midsummer Night's Dream से Twelfth Night तक

Shakespeare ने अपने कैरियर के मध्य वर्षों में जो हास्य नाटक लिखे — मोटे तौर पर A Midsummer Night's Dream (1595-96) से लेकर Twelfth Night (1601) तक — वे उस विधा में एक सतत और शानदार उपलब्धि का प्रतिनिधित्व करते हैं जिसका नाट्य-परंपरा में कोई समकक्ष नहीं है। ये नाटक, जो न तो सरल मनोरंजन हैं और न ही सीधे नैतिक रूपक बल्कि कुछ अधिक जटिल और वर्गीकरण के लिए कठिन, चार सदियों से अधिक समय के लिए नाट्य-प्रदर्शन, साहित्यिक विश्लेषण और दार्शनिक चिंतन की सामग्री प्रदान करते रहे हैं।

A Midsummer Night's Dream संभवतः Shakespeare की हास्य कृतियों में सर्वाधिक औपचारिक रूप से परिपूर्ण है: एक कड़ी अंतर्गुँथित संरचना जिसमें तीन विशिष्ट सामाजिक संसार — Theseus का दरबार, Athens के कारीगर, Oberon और Titania का परी-साम्राज्य — मंत्रमुग्ध जंगल के माध्यम से परस्पर क्रिया कर भ्रम और समाधान, रोमांटिक प्रेम का उपहास और उसका उत्सव दोनों उत्पन्न करते हैं। नाटक की केंद्रीय चिंता तर्क और कल्पना के बीच, तर्कसंगत सामाजिक व्यवस्था के दिव्यालोक-संसार और स्वप्न, इच्छा तथा सृजनात्मक कल्पना के रात्रि-संसार के बीच संबंध है। अंतिम अंक में mechanicals का Pyramus and Thisbe का मंचन — उस दुखद प्रेम-कहानी का एक बर्लेस्क जो अपनी व्यापक रूपरेखाओं में संपूर्ण नाटक की कहानी भी है — अंग्रेज़ी नाट्य-परंपरा के सबसे शानदार रचे गए नाट्य-क्षणों में से एक है।

The Merchant of Venice (1596-97) मध्य-काल की हास्य कृतियों में सबसे चुनौतीपूर्ण है, और वह जिसकी कॉमेडी सबसे अधिक अपने अंधकारमय तत्त्वों की छाया में है। Shylock की छवि — यहूदी साहूकार जो Antonio के कर्ज़ की ज़मानत के रूप में एक पाउंड मांस माँगता है — Shakespeare की सबसे जटिल रचनाओं में से एक है, एक ऐसा पात्र जो एक साथ एक रोमांटिक हास्य का खलनायक है, क्रूर सामाजिक घृणा का पात्र है, और एक ऐसा इंसान है जिसकी मानवता नाटक जोर देकर स्वीकार करता है, भले ही वह उसे दंडित करता हो। नाटक का हास्य-समाधान — मुकदमे के दृश्य में Shylock की पराजय, प्रेमियों का विवाह — Shylock के बलपूर्वक ईसाई धर्मांतरण की स्मृति से आच्छादित है, एक दंड जो कई आधुनिक दर्शकों और पाठकों को गहरे रूप से कष्टकर लगता है। क्या यह कष्टकर गुण जानबूझकर था या Shakespeare के ऐतिहासिक दृष्टिकोण की सीमाओं को दर्शाता है, यह एक ऐसा प्रश्न है जिसका उत्तर देने से नाटक स्वयं इनकार करता प्रतीत होता है।

Much Ado About Nothing (1598-99) मध्य-काल की हास्य कृतियों में सर्वाधिक आनंददायक है, जो Beatrice और Benedick के बीच की शानदार छेड़छाड़ पर केंद्रित है — प्रेम के दो स्वघोषित शत्रु जिन्हें उनके मित्र चाल से एक-दूसरे के प्रति अपना प्रेम स्वीकार करने पर मजबूर कर देते हैं। इस जोड़े का मौखिक द्वंद्व, जो एक साथ परस्पर शत्रुता और परस्पर आकर्षण का प्रकटन है, फ़िल्म और कथा-साहित्य की रोमांटिक हास्य परंपरा का तीन शताब्दी पूर्व पूर्वाभास देता है। कलंकित Hero और भोले-भाले Claudio से जुड़ी समानांतर कथा नाटक का अंधकारमय स्वर प्रदान करती है, लेकिन नाटक की ऊर्जा और स्नेह Beatrice और Benedick पर केंद्रित है।

As You Like It (1599-1600) Arden के जंगल के इर्द-गिर्द संगठित है, एक ग्रामीण आश्रयस्थल जहाँ नाटक के प्रमुख पात्र एक भ्रष्ट दरबार से भागते हैं, और जो प्रेम, मित्रता और सरल जीवन की उस परीक्षा का दृश्य प्रदान करता है जो हास्य का दार्शनिक सार है। नाटक की केंद्रीय पात्र, Rosalind, Shakespeare की महानतम रचनाओं में से एक है: बुद्धिमान, भावनात्मक रूप से समझदार, गहरी अनुभूति और तीखे हास्य-अवलोकन दोनों में सक्षम, वह रोमांटिक कथानक को खिलंदड़ेपन और गंभीरता के मेल से संचालित करती है जो उसे उनकी सबसे आकर्षक नायिका बनाता है। Ganymede नामक एक पुरुष युवक के रूप में उसका वेश Shakespeare को लिंग-प्रदर्शन की संभावनाओं को उन तरीकों से तलाशने देता है जो पहचान के निर्माण के बारे में आधुनिक सोच का पूर्वानुमान करते हैं।

Twelfth Night (1601), जिसे अक्सर Shakespeare की रोमांटिक हास्य अवधि की परिणति माना जाता है, मध्य-काल की हास्य कृतियों में सबसे अंधकारमय भी है। कामना, पहचान और सामाजिक महत्वाकांक्षा की इसकी पड़ताल — Malvolio के पात्र के माध्यम से, वह कारिंदा जो विश्वास करता है कि Countess Olivia उससे प्रेम करती है और जिसे उसके दुस्साहस के लिए क्रूरता से अपमानित किया जाता है — क्रूरता और बहिष्करण के ऐसे स्वर सुनाती है जो नाटक के रोमांटिक समाधानों को जटिल बनाते हैं। Malvolio के भ्रम का हास्य-चित्रण मज़ेदार है, लेकिन उसकी अंतिम पंक्तियाँ — "मैं तुम सबसे बदला लूँगा" — मंच पर एक अनसुलझी कड़वाहट छोड़ जाती हैं जिसे नाटक का अन्यथा उत्सवपूर्ण अंत पूरी तरह दूर नहीं कर सकता।

इतिहास-नाटक: सत्ता, वैधता और अंग्रेज़ी राष्ट्र

Shakespeare ने अंग्रेज़ी इतिहास पर आधारित दस नाटक लिखे, जो King John (जो तेरहवीं सदी के प्रारंभ की घटनाओं को समेटता है) से लेकर Henry VIII (जो सोलहवीं सदी की शुरुआत को समेटता है) तक हैं। उनमें से आठ दो जुड़ी हुई शृंखलाओं में हैं — पहला टेट्रालॉजी (Henry VI के तीन भाग और Richard III) और दूसरा टेट्रालॉजी (Richard II, Henry IV के दो भाग, और Henry V) — जो मिलकर किसी भी साहित्यिक रूप में अंग्रेज़ी राजनीतिक इतिहास की अब तक की सबसे महत्वाकांक्षी पड़ताल बनाते हैं।

दूसरा टेट्रालॉजी, जिसे सामान्यतः अधिक बड़ी उपलब्धि माना जाता है, Richard II के पदच्युत होने से लेकर Henry V के शासनकाल तक Lancaster के घराने के उदय का अनुसरण करता है। Richard II (1595) इतिहास-नाटकों में सर्वाधिक काव्यात्मक रूप से संघनित है, जो Richard की आत्म-अभिव्यक्ति के गीतात्मक उपहार और उनकी राजनीतिक अक्षमता के बीच, उनकी भाषा की सुंदरता और उनकी इच्छाशक्ति की कमज़ोरी के बीच के विरोधाभास पर केंद्रित है। उनका सिंहासन त्याग एक ऐसा नाट्य-कौशल का चमत्कार है जिसमें पदच्युति एक प्रकार के काले राज्याभिषेक बन जाती है, एक विपर्यय-समारोह जो उस समारोह की नकल करता है जिसकी वह जगह लेती है। अपनी खोई हुई पहचान पर Richard का चिंतन — "मैं सोच रहा था कि कैसे तुलना करूँ / इस जेल को जिसमें मैं रहता हूँ संसार से" — Shakespeare की रचनाओं में स्वत्व की सबसे निरंतर पड़ताल में से एक है।

Henry IV के दोनों भाग इतिहास-नाटकों में सबसे विस्तृत कृतियाँ हैं, जो簒奪 करने वाले राजा और उनके विद्रोही बैरनों की राजनीतिक कहानी को Eastcheap के सराय-संसार में मोटे शूरवीर Falstaff और उनके उद्दंड साथियों की हास्य कहानी के साथ जोड़ती हैं। Falstaff Shakespeare की महानतम हास्य रचनाओं में से एक है — अपनी आत्म-भ्रांतियों और आत्म-औचित्य में अनंत रूप से आविष्कारशील, आनंद और गैर-जिम्मेदारी का एक सिद्धांत जो एक राज्य के उत्तरदायी शासन के लिए सब कुछ अनुचित दर्शाता है। युवा Prince Hal के साथ उनका रिश्ता, जो Henry V बनेगा, दोनों नाटकों का भावनात्मक केंद्र है: Hal Falstaff को एक पाठशाला के रूप में उपयोग करता है जिसमें वह आम लोगों की भाषा और आदतें सीखता है, लेकिन वह अंततः अपने पुराने साथी को Part 2 के अंत के उस प्रसिद्ध दृश्य में अस्वीकार कर देगा जिसमें नवताजपोशित Henry V सार्वजनिक रूप से Falstaff को दुरदुराता है। यह अस्वीकृति राजनीतिक रूप से आवश्यक है, लेकिन यह एक प्रकार की हत्या भी है, और नाटक हमें इसे भूलने नहीं देता।

Henry V (1599) इतिहास-नाटकों में सबसे विवादास्पद है, आंशिक रूप से इसलिए कि यह भिन्न पाठों के प्रति सबसे अधिक संवेदनशील है। अंग्रेज़ी युद्ध-वीरता और राष्ट्रीय एकता के उत्सव के रूप में, यह Shakespeare की लिखी सबसे प्रेरणादायक कृतियों में से एक है: St. Crispin's Day का भाषण, जिसमें राजा Agincourt से पहले अपने संख्याल्प सैनिकों को संबोधित करता है, तब से सैन्य नेताओं और राजनेताओं द्वारा प्रेरणादायक वक्तृत्व के नमूने के रूप में उद्धृत किया जाता रहा है। युद्ध की कीमत और राजनीतिक नेतृत्व के नैतिक समझौतों की परीक्षा के रूप में, यह गहरे रूप से अस्थिर करने वाला है: वह राजा जो अपने सैनिकों को प्रेरित करता है, फ्रांसीसी कैदियों को मारने का आदेश भी देता है, अपने सैनिकों की मृत्यु की जिम्मेदारी से बचने के लिए विस्तृत धर्मशास्त्रीय तर्क का उपयोग करता है, और फ्रांसीसी राजकुमारी Katherine को एक ऐसे दृश्य में लुभाता है जो वास्तविक आकर्षण को मुश्किल से छुपे ज़ोर-ज़बरदस्ती के साथ मिलाता है। क्या Henry एक नायक है, एक व्यावहारिकतावादी है, या एक पाखंडी है, यह इस बात पर निर्भर करता है कि नाटक के किन पहलुओं पर ज़ोर दिया जाए, और नाटक तीनों पाठों को एक साथ बनाए रखने के लिए रचित प्रतीत होता है।

महान त्रासदियाँ: Hamlet से King Lear तक

लगभग 1600 से 1606 के बीच की अवधि ने त्रासद उत्कृष्ट कृतियों की एक ऐसी केंद्रीभूत श्रृंखला — Hamlet, Othello, Measure for Measure, King Lear, Macbeth — उत्पन्न की जिसका नाट्य-इतिहास में कोई समकक्ष नहीं है। इन नाटकों में, Shakespeare ने नाट्य-भाषा और मनोवैज्ञानिक गहराई की संभावनाओं को उनकी सीमाओं तक धकेला, ऐसी जटिलता के पात्र और ऐसी नैतिक गंभीरता की कृतियाँ रचीं जो दार्शनिक, मनोवैज्ञानिक और नैतिक चिंतन के लिए अक्षय स्रोत बन गई हैं।

Hamlet (1600-01) पाश्चात्य साहित्यिक परंपरा में सर्वाधिक लिखी गई कृति है, एक ऐसा नाटक जिस पर किसी भी भाषा की किसी भी अन्य कृति से अधिक टिप्पणी, अधिक मंचन, अधिक रूपांतरण और अधिक सिद्धांत प्रस्तुत किए गए हैं। इसके केंद्र में एक ऐसी समस्या है जिसे प्रत्येक दर्शक और प्रत्येक पाठक ने व्यक्तिगत रूप से अनुभव किया है: ऐसे संसार में कार्य करने की कठिनाई जहाँ नैतिक माँगें स्पष्ट हैं लेकिन प्रमाण अनिश्चित हैं, जहाँ कार्य का आह्वान बाध्यकारी है लेकिन कार्य के परिणाम अनुमानातीत हैं। Hamlet, अपने पिता के भूत द्वारा उनकी हत्या का बदला लेने का आदेश पाकर, नाटक भर कार्य करने में असमर्थ रहता है, और उसकी यह विलंब — जिस पर विशाल आलोचनात्मक साहित्य लिखा गया है — एक साधारण चरित्र-दोष से कम एक ऐसी विशेषता प्रतीत होती है जो उसकी बुद्धिमत्ता, उसकी संवेदनशीलता और इस जागरूकता से उत्पन्न होती है कि अपर्याप्त प्रमाण के आधार पर दिखावे की दुनिया में कार्य करने पर जिस बुराई का विरोध किया जाए उसी में परिणत होने का खतरा है।

Hamlet की भाषा Shakespeare की रचनाओं में सर्वाधिक विविध और आविष्कारशील है। प्रसिद्ध एकालाप — "To be or not to be," "O what a rogue and peasant slave am I," "How all occasions do inform against me" — न केवल अंग्रेज़ी साहित्य के सबसे प्रसिद्ध अंश हैं बल्कि नाट्य-परंपरा में चेतना की सबसे परिष्कृत पड़ताल भी हैं, ऐसे अंश जिनमें वक्ता का विचार वास्तविक समय में, अपनी समस्त जटिलता और अंतर्विरोध में प्रकट होता है, ऐसे तरीकों से जो नाट्य-एकालाप को वक्तृत्व-प्रदर्शन के बजाय वास्तव में आंतरिक अनुभव जैसा महसूस कराते हैं।

Othello (1603-04) Shakespeare की सबसे संघनित त्रासदी है, जो लगभग विशेष रूप से एकमात्र दुर्भावनापूर्ण इच्छाशक्ति की योजनाओं द्वारा एकल संबंध के विनाश पर केंद्रित है। Iago, जो Desdemona के साथ Othello के विवाह को Moorish सेनापति को यह विश्वास दिलाकर नष्ट करता है कि उसकी पत्नी बेवफा है, Shakespeare के खलनायकों में सबसे भयावह है, ठीक इसलिए क्योंकि उसकी द्वेषपूर्णता निराधार प्रतीत होती है, या केवल मानवीय भलाई और खुशी के प्रति एक सामान्य आक्रोश से प्रेरित है। Othello की त्रासदी आंशिक रूप से नस्लीय पूर्वाग्रह की कहानी है — नाटक के सामाजिक संसार में उसका काले होना उसे यह सुझाव के प्रति संवेदनशील बनाता है कि Desdemona वास्तव में उससे प्रेम नहीं कर सकती — और आंशिक रूप से ईर्ष्या की विनाशकारी शक्ति का अध्ययन है, और आंशिक रूप से विश्वास की नाजुकता पर एक चिंतन।

Macbeth (1606) महान त्रासदियों में सबसे छोटी और सबसे गहनता से केंद्रित है, एक एकल आपराधिक कृत्य — एक राजा की हत्या — के मनोवैज्ञानिक परिणामों का एक अध्ययन जो एक दुःस्वप्न के निर्मम तर्क के साथ प्रकट होता है। Macbeth और Lady Macbeth Shakespeare की सबसे मनोवैज्ञानिक रूप से जटिल रचनाओं में से हैं: उनका रिश्ता, उनकी साझा महत्वाकांक्षा, उनके द्वारा साथ मिलकर किए गए अपराध के प्रति उनकी भिन्न प्रतिक्रियाएँ, और जिन भिन्न तरीकों से अपराध-बोध उनमें से प्रत्येक को नष्ट करता है, नाटक को उसकी भयावह भावनात्मक शक्ति प्रदान करते हैं। Lady Macbeth का स्वप्नलीला-दृश्य, जिसमें वह अपने हाथों से उस खून को धोने की कोशिश करती है जो उसे अभी भी वहाँ लगा लगता है — "निकल, अभिशप्त धब्बे! निकल, मैं कहती हूँ!" — नाट्य-परंपरा में अपराध-बोध की सबसे शक्तिशाली छवियों में से एक है।

King Lear (1605-06) को सामान्यतः Shakespeare की सबसे महान त्रासदी और किसी भी माध्यम की महानतम कलाकृतियों में से एक माना जाता है। एक वृद्ध राजा की कहानी जो अपना राज्य अपनी बेटियों के बीच बाँटता है और फिर उन दोनों द्वारा छोड़ दिया जाता है जिन्होंने उसकी चापलूसी की, केवल उस बेटी द्वारा संरक्षित जिसे उसने अन्यायपूर्वक विरासत से वंचित किया, एक ब्रह्मांडीय विस्तार और पीड़ा की गहराई के साथ प्रकट होती है जो कला की प्रतिनिधित्व-क्षमता की सीमाओं को परखती प्रतीत होती है। नाटक एक ऐसी तात्कालिकता के साथ पूछता है जो चार शताब्दियों में कम नहीं हुई है, कि क्या ब्रह्मांड में कोई नैतिक व्यवस्था है, क्या मानवीय पीड़ा का कोई अर्थ है, क्या प्रेम और सद्गुण पुरस्कृत होते हैं या प्रकृति की उदासीनता से बस आच्छादित हो जाते हैं। आरामदायक उत्तर देने से नाटक का इनकार — Cordelia को फाँसी हो जाती है, Lear दुःख से मर जाता है, और बचे हुए लोग लाशों से भरे मंच को देखते हैं — ने कुछ आलोचकों को इसे पाश्चात्य परंपरा की सबसे शून्यवादी कृति के रूप में वर्णित करने पर मजबूर किया है। दूसरों को इसमें एक अलग प्रकार की पुष्टि मिलती है: ऐसे ब्रह्मांड के सामने मानवीय प्रेम और वफादारी की गवाही जो कोई गारंटी नहीं देता।

अंतिम रोमांस: The Tempest और अंतिम दौर

Shakespeare के अंतिम दौर के नाटक — Pericles, Cymbeline, The Winter's Tale, और The Tempest, जो लगभग 1607 से 1611 के बीच लिखे गए — शैली की दृष्टि से संकर कृतियाँ हैं जो त्रासदी और हास्य के तत्त्वों को मिथक, लोककथा और नाट्य-दृश्य के तत्त्वों के साथ उन तरीकों से जोड़ती हैं जो उन्हें उनके पहले लिखी किसी भी चीज़ से अलग करती हैं। उन्हें रोमांस इसलिए कहा गया है क्योंकि उनमें उस काल के गद्य-रोमांसों के साथ समानताएँ हैं, और त्रागिकॉमेडी भी इसलिए क्योंकि वे त्रासद तत्त्वों को हास्य-समाधान के साथ जोड़ती हैं।

The Tempest (1611), संभवतः अंतिम नाटक जो Shakespeare ने अकेले लिखा, अंतिम रोमांसों में सबसे संघनित और सबसे सचेत रूप से कलात्मक है। इसका जादूगर-नायक Prospero, जो Ariel नामक एक आत्मा पर अपने प्रभुत्व के माध्यम से उस द्वीप को नियंत्रित करता है जहाँ नाटक स्थापित है और जो अपने जादू का उपयोग अपने शत्रुओं के सुलह के लिए करता है, को नाटककार की छवि के रूप में पढ़ा गया है — एक सृजनकर्ता जो अपने नाटक की घटनाओं को उसी अधिकार के साथ व्यवस्थित करता है जो Shakespeare अपने पात्रों पर प्रयोग करते हैं, और जो नाटक के अंत में अपनी छड़ी तोड़ता है और अपनी पुस्तक डुबोता है, जैसे Shakespeare अपनी कलम रखने वाले थे। चाहे यह पाठ जानबूझकर हो या आरोपित, यह नाटक को एक ऐसा विदाई-गुण देता है जिसने इसे उन लोगों के लिए Shakespeare की सबसे भावनात्मक रूप से प्रभावशाली कृतियों में से एक बना दिया है जो उनके कैरियर को समग्रता में जानते हैं।

यह नाटक उपनिवेशवाद और दूसरों पर सत्ता के प्रयोग के बारे में प्रश्न भी उठाता है जिसने इसे उत्तर-औपनिवेशिक साहित्य अध्ययन में एक केंद्रीय पाठ बना दिया है। Caliban, अर्ध-मानव प्राणी जो Prospero के आगमन से पहले द्वीप का मूल निवासी है, को उपनिवेशित मूलनिवासी की छवि के रूप में पढ़ा गया है — दास बनाया गया, शोषित, उपनिवेशवादी की भाषा सिखाई गई, जिसका उपयोग वह अपने स्वामी को कोसने के लिए करता है। Caliban पर Prospero के अधिकार की तुलना स्वदेशी आबादी पर यूरोपीय उपनिवेशकों के अधिकार से की गई है, और Caliban का प्रसिद्ध भाषण — "तुमने मुझे भाषा सिखाई, और उससे मुझे जो लाभ हुआ / वह यह है कि मैं शाप देना जानता हूँ" — भाषा, सत्ता और औपनिवेशिक वर्चस्व के संबंध के बारे में चर्चाओं में एक केंद्रीय पाठ बन गया है।

The Winter's Tale (1610-11) अंतिम रोमांसों में भावनात्मक रूप से सबसे अतिवादी है, जो Leontes के ईर्ष्यालु क्रोध से — जो बिना किसी प्रमाण के खुद को यह विश्वास दिला लेता है कि उसकी पत्नी Hermione ने उसके साथ विश्वासघात किया है — उसके पुत्र की मृत्यु, उसकी शिशु बेटी के परित्याग और Hermione की प्रकट मृत्यु से होते हुए एक ऐसे समाधान तक पहुँचती है जिसमें खोई हुई बेटी मिल जाती है और प्रकट रूप से मृत पत्नी एक मूर्ति के प्राणवंत होने के रूप में मंचित में जीवन में वापस आती है। अंतिम दृश्य, जिसमें Hermione जीवित हो जाती है, Shakespeare की रचनाओं में सबसे शक्तिशाली नाट्य-क्षणों में से एक है — आंशिक रूप से पुनरुत्थान के शुद्ध नाट्य-चमत्कार के कारण, और आंशिक रूप से इस अनुत्तरित अस्पष्टता के कारण कि पुनरुत्थान अलौकिक है, रूपकात्मक है, या केवल एक लंबे छल का उद्घाटन है।

Shakespeare की भाषा: अंग्रेज़ी के संसाधन

Shakespeare की महानता का सबसे तत्काल और सबसे स्थायी स्रोत उनकी भाषा है: ऐसे समय में अंग्रेज़ी के उनके उपयोग की असाधारण सीमा, लचीलापन और आविष्कारशीलता जब भाषा असाधारण सृजनात्मक उर्वरता की स्थिति में थी। सोलहवीं सदी के उत्तरार्ध की अंग्रेज़ी तेज़ी से विकसित हो रही थी, लैटिन, यूनानी, इतालवी, फ्रांसीसी और स्पैनिश से शब्दावली को आत्मसात कर रही थी, नए वाक्य-रचना निर्माणों के साथ प्रयोग कर रही थी, और आंतरिक अनुभव के चित्रण की नई संभावनाएँ विकसित कर रही थी। Shakespeare ने केवल इस विकसित भाषा का उपयोग नहीं किया; वे इसके प्रमुख विकासकर्ताओं में से एक थे, शब्दावली में हज़ारों नए शब्द और वाक्यांश जोड़े और अंग्रेज़ी गद्य और पद्य के लिए ऐसी संभावनाएँ प्रदर्शित कीं जो तब से साहित्यिक उत्कर्ष के मानदंड को परिभाषित करती रही हैं।

उनका छंद-रूप — iambic pentameter जो उनकी लगभग सभी नाटकीय कविता का आधार है — स्वयं एक उल्लेखनीय वाद्य-यंत्र है। दस-अक्षर की पंक्ति, जो अनघोषित और घोषित अक्षरों के बीच बारी-बारी से चलती है, अंग्रेज़ी वाणी की लय के साथ एक स्वाभाविक संगति रखती है जो इसे बोलना आसान और असाधारण विविधता के लिए सक्षम दोनों बनाती है। Shakespeare के परिपक्व iambic pentameter के उपयोग की विशेषता नियमित पैटर्न से व्यवस्थित विचलन है — अतिरिक्त अक्षर, उलटे बल, पंक्ति-मध्य विराम, अनुलग्न पंक्तियाँ — जो असाधारण जटिलता और अभिव्यंजना की एक बोली-संगीत रचती हैं। उनके परिपक्व काल की कविता न तो प्रारंभिक Elizabethan नाटकीय पद्य की ड्रमबीट नियमितता है और न ही उस ढीली गद्य-सदृश अनुमानित कविता जो पतनशील Jacobean नाटक की विशेषता है; यह एक परिपूर्ण रूप से अंशांकित मध्य-मार्ग है जिसमें नियमितता और विविधता के बीच का तनाव एक निरंतर संगीतात्मक ऊर्जा उत्पन्न करता है।

उनकी रूपकात्मक कल्पना उनकी भाषाई शक्ति का दूसरा महान स्रोत है। Shakespeare के परिपक्व काम में रूपक अर्थ के अलंकृत जोड़ नहीं हैं बल्कि अर्थ के निर्माणात्मक तत्त्व हैं: वे पहले से कही गई बात को दृष्टांतित नहीं करते बल्कि ऐसी बातें कहते हैं जो किसी अन्य तरीके से नहीं कही जा सकतीं। Macbeth में जीवन की तुलना "चलती-फिरती छाया, एक दयनीय अभिनेता / जो मंच पर अपनी घड़ी तुनकता-सिमटता रहता है / और फिर कभी नहीं सुना जाता" से करना इस प्रस्ताव का कि जीवन अर्थहीन है, एक वक्तृत्व-अलंकरण नहीं है; यह वह तरीका है जिसमें Macbeth का अर्थहीनता का विशिष्ट अनुभव — अपने नाट्य-रूपकों के साथ, अभिनय और समय पर इसके दोहरे ध्यान के साथ, सार के बिना शोर की अनुभूति के साथ — रूप पाता है। रूपक अर्थ का दृष्टांत नहीं करता बल्कि उसे रचता है।

पद्य के विपरीत, गद्य का उनका उपयोग समान रूप से परिष्कृत है। Shakespeare मुख्य रूप से हास्य दृश्यों के लिए, निम्न-वर्गीय पात्रों के लिए, और मानसिक अशांति या अत्यधिक भावना की स्थितियों के लिए गद्य का उपयोग करते हैं जिनमें भावना का दबाव पद्य के आवरणी रूप को तोड़ता है। Falstaff लगभग पूरी तरह गद्य में बोलता है, और उसकी भाषा उसके चरित्र के गुणों को दर्शाती है: विस्तृत, साहचर्यात्मक, भूख और आनंद की भौतिक दुनिया में निहित। Hamlet वर्स और गद्य दोनों का बड़ी कुशलता से उपयोग करता है, अपने वार्तालाप-साझेदारों के साथ अपने संबंध में और अपनी मनोवैज्ञानिक स्थिति में बदलाव को चिह्नित करने के लिए उनके बीच आता-जाता रहता है। Act V में कब्र खोदने वालों के साथ उसकी गद्य में बातचीत नाटक के सबसे सहज और वास्तव में चतुर अंशों में से है, जो उस सहजता को दर्शाती है जो उसे उन लोगों के साथ महसूस होती है जो उन सामाजिक श्रेणीक्रमों के बाहर हैं जो उसे हर जगह बाँधते हैं।

Shakespeare और उनके स्रोत

Shakespeare की रचनात्मक पद्धति सुसंगत रूप से आधुनिक अर्थ में मौलिक होने के बजाय परिवर्तनकारी थी। उन्होंने अपने कथानक, अपने पात्र, अपनी ऐतिहासिक सामग्री, और यहाँ तक कि अपनी भाषा का कुछ हिस्सा पहले के स्रोतों से लिया — इतिहास-वृत्तांत, इतालवी गद्य-रोमांस, पहले के नाटक, शास्त्रीय पाठ — और उन्हें ऐसी विशिष्ट गुणवत्ता की कृतियों में रूपांतरित किया कि स्रोत मुख्य रूप से उनके रूपांतरण के माप के रूप में रुचिकर हैं।

उनके इतिहास-नाटकों और Macbeth तथा King Lear के स्रोत के रूप में Holinshed की Chronicles of England, Scotland, and Ireland का उनका उपयोग इस प्रक्रिया को दर्शाता है। Holinshed का Lear एक सीधे-सादे इतिहास-वृत्तांत के रूप में सुखद अंत के साथ है: Lear अपने सिंहासन पर बहाल होता है और अंत में Cordelia जीवित है। इस सामग्री का Shakespeare का रूपांतरण — Gloucester का उप-कथानक जोड़ना, सुखद अंत हटाना, और जो एक राजनीतिक वृत्तांत था उससे ब्रह्मांडीय दायरे की त्रासदी रचना — इतना आमूल है कि नाटक के अनुभव में स्रोत मुश्किल से दर्ज होता है। यह स्वीकार करना कि Shakespeare ने अपना कथानक Holinshed से लिया, नाटक को कम नहीं करता; यह बल्कि रचनात्मक रूपांतरण के पैमाने को उजागर करता है।

इतालवी स्रोतों का उनका उपयोग — मुख्य रूप से Boccaccio और Bandello के गद्य-संग्रह, फ्रांसीसी और अंग्रेज़ी अनुवादों के माध्यम से प्राप्त — उनकी कई हास्य कृतियों और कुछ त्रासदियों के कथानकों की आपूर्ति की। Othello की कहानी Cinthio के Gli Hecatommithi की एक कहानी से आती है; Much Ado की कहानी Bandello से; As You Like It की कहानी Thomas Lodge की Rosalynde से। प्रत्येक मामले में, Shakespeare के रूपांतरण में केवल पूर्व-मौजूद आख्यान का मौखिक आवरण नहीं बल्कि पात्रों की गहराई, नैतिक स्थितियों की जटिलता और ऐसे नाट्य-तत्त्वों को जोड़ना शामिल है जो पूरी तरह उनका अपना आविष्कार है।

उनके शास्त्रीय स्रोत — मुख्य रूप से North के अनुवाद में Plutarch की Lives और Golding के अनुवाद में Ovid की Metamorphoses — ने रोमन नाटकों और हास्य कृतियों तथा कविताओं में पौराणिक तत्त्वों के लिए सामग्री प्रदान की। Julius Caesar, Antony and Cleopatra और Coriolanus के लिए उनके Plutarch का तत्काल स्रोत था, और इसका उपयोग ऐतिहासिक सामग्री के साथ एक ऐसी सृजनात्मक संलग्नता प्रकट करता है जो नाटकीय रूपांतरण से काफी आगे जाती है। वह Plutarch के पात्रों का इतने निकट से अनुसरण करते हैं कि उनकी ऐतिहासिक वास्तविकता बनी रहे, लेकिन उसमें भाषा, मनोवैज्ञानिक गहराई और नाटकीय संरचना जोड़ते हैं जो वृत्तांत को त्रासदी में बदल देती है।

Shakespeare और उनके समकालीन

Shakespeare ने एक ऐसी नाट्य-संस्कृति में काम किया जिसमें महान प्रतिभा के अन्य नाटककार भी शामिल थे, और उनकी उपलब्धि को समझने के लिए उस साहित्यिक परिवेश की कुछ समझ ज़रूरी है जिसमें वे काम करते थे। Christopher Marlowe, उनकी पीढ़ी के नाटककारों में उनके सबसे निकट प्रतिद्वंद्वी, ने अंग्रेज़ी नाट्य ब्लैंक वर्स की संभावनाएँ नाटकों की एक शृंखला — Tamburlaine, Doctor Faustus, The Jew of Malta, Edward II — के साथ स्थापित की थीं, जिन्होंने पहली बार दिखाया कि महत्वाकांक्षा, सत्ता और अभिशाप को नाट्य-विषयों के रूप में मंच क्या कर सकता है। प्रारंभिक Shakespeare पर Marlowe का प्रभाव पहले इतिहास-नाटकों की वक्तृत्वात्मक तीव्रता और नैतिक चरमपंथ में और Richard III में Marlovian प्रतिध्वनियों में स्पष्ट है।

Ben Jonson, जो नाट्य-कैरियर के मध्य वर्षों में Shakespeare के मित्र और प्रतिद्वंद्वी थे, Shakespeare के तरीकों और मूल्यों से सबसे तीखा विरोधाभास प्रस्तुत करते हैं। जहाँ Shakespeare रोमांस, इतिहास और मानवीय अंतर्मन की खोज की ओर आकर्षित थे, वहाँ Jonson व्यंग्यात्मक हास्य, मानवीय मूर्खता और दुर्गुण के उद्घाटन और समकालीन लंदन जीवन में निहित विस्तृत नाट्य-कल्पनाओं के निर्माण की ओर। Jonson के नाटक — Volpone, The Alchemist, Bartholomew Fair — विशाल बुद्धिमत्ता और नाट्य-ऊर्जा की कृतियाँ हैं, लेकिन वे Shakespeare की भावनात्मक सीमा और मानवीय कमज़ोरी के प्रति उनकी सहानुभूति से वंचित हैं। Jonson ने Shakespeare के बारे में प्रसिद्ध रूप से कहा था कि उनके पास "थोड़ी लैटिन और उससे कम यूनानी" थी — एक हल्की-सी चुटकी जो शायद तारीफ के इरादे से थी — और यह कि उन्हें अधिक संशोधन की ज़रूरत थी, लेकिन उन्होंने First Folio के लिए लिखी अपनी स्मृति-कविता में यह भी माना कि Shakespeare "किसी एक युग के नहीं, सब युगों के लिए" थे।

John Webster, Francis Beaumont, John Fletcher, Thomas Middleton और अन्य त्रासदी और त्रागिकॉमेडी लिखने में उनके समकालीन थे, और उनमें से कुछ विशिष्ट शैलियों में वास्तविक प्रतिद्वंद्वी थे। Webster की The Duchess of Malfi और The White Devil राजनीतिक भ्रष्टाचार और यौन हिंसा की ऐसी त्रासदियाँ हैं जो अपनी नाट्य-कल्पना की तीव्रता में Shakespeare की सबसे अंधेरी कृतियों से तुलनीय हैं। Beaumont और Fletcher की सहयोगी कृतियों ने त्रागिकॉमिक पद्धति स्थापित की जो Jacobean काल में मंच पर हावी रही और Shakespeare के अपने अंतिम रोमांसों को प्रभावित किया।

Shakespeare की मरणोपरांत ख्याति: चार शताब्दियों का स्वागत

उनकी मृत्यु के बाद Shakespeare के स्वागत का इतिहास स्वयं पाश्चात्य संसार का एक सांस्कृतिक इतिहास है, जो अपने बदलते जोर और व्याख्याओं में उत्तरोत्तर युगों की बदलती चिंताओं को दर्शाता है। हर युग ने Shakespeare में वही पाया जो उसे पाना था, और जो पाया गया — नैतिक शिक्षा, राजनीतिक रूपक, मनोवैज्ञानिक गहराई, दार्शनिक संशयवाद, राष्ट्रीय मिथक, औपनिवेशिक आलोचना, queer सिद्धांत — वह स्वयं कृतियों की असाधारण समृद्धि की गवाही देता है।

Shakespeare की मृत्यु के बाद की पहली पीढ़ी ने उनका काम उनके साथी अभिनेताओं — मुख्य रूप से Heminge और Condell द्वारा, जिन्होंने 1623 का First Folio संकलित किया — द्वारा संरक्षित देखा, और उन पाठकों और रंगमंच-दर्शकों द्वारा सराहा गया जिन्होंने इसकी नाट्य-जीवंतता को पहचाना बिना इसे बाद के काल के गहन साहित्यिक विश्लेषण के अधीन किए। 1642 में Puritan सरकार द्वारा थिएटरों को बंद करने से प्रदर्शन-परंपरा बाधित हो गई, और 1660 में Restoration के बाद थिएटरों के पुनर्खुलने पर एक ऐसी नाट्य-संस्कृति मिली जो इतनी बदल गई थी कि उसे Shakespeare की कृतियों में रूपांतरण और सुधार की ज़रूरत महसूस हुई। इन रूपांतरणों में सबसे प्रसिद्ध — Nahum Tate का King Lear का सुखद अंत के साथ पुनर्लेखन, जो 1681 से 1838 तक मंच पर रहा — उस हद को दर्शाता है जिस हद तक Restoration और अठारहवीं सदी की संवेदनशीलता ने बिना संशोधित Shakespeare को सभ्य नाट्य-उपभोग के लिए बहुत कठोर और बहुत अनियमित पाया।

Romantic काल ने Shakespeare के आलोचनात्मक पुनर्मूल्यांकन में निर्णायक मोड़ को चिह्नित किया। Romantic कवियों और आलोचकों — Coleridge, Hazlitt, Keats, Goethe, Schlegel — ने Shakespeare में उस प्रतिभा का नमूना पाया जो नियमों और परंपराओं से परे थी, जिनकी कृतियाँ नियम-पालन के यांत्रिक सिद्धांत के बजाय प्राकृतिक विकास के जैविक सिद्धांत को मूर्त करती थीं। Coleridge के Shakespeare पर व्याख्यान, जिन्होंने Hamlet और Iago जैसे पात्रों की मनोवैज्ञानिक गहराई को आलोचनात्मक ध्यान का प्राथमिक विषय बनाया, एक ऐसा दृष्टिकोण परिभाषित किया जो एक सदी से अधिक समय तक Shakespeare आलोचना पर हावी रहा।

बीसवीं सदी Shakespeare के प्रति एक अधिक ऐतिहासिक रूप से आधारित और राजनीतिक रूप से संलग्न दृष्टिकोण लेकर आई। मध्य-शताब्दी की New Criticism ने पाठों के औपचारिक गुणों पर ध्यान केंद्रित किया; सांस्कृतिक भौतिकवाद, नई ऐतिहासिकता, नारीवादी आलोचना और उत्तर-औपनिवेशिक आलोचना के बाद के उदय ने कृतियों और उनके स्वागत के वैचारिक आयामों पर ध्यान आकर्षित किया। इन दृष्टिकोणों ने Shakespeare की समझ को समृद्ध और जटिल किया है, भले ही उन्होंने कभी-कभी नाटकों को सैद्धांतिक स्थितियों के चित्रणों तक सीमित कर दिया हो। चल रही नाट्य-परंपरा, जिसने हर कल्पनीय शैली और परिवेश में — Thames के दक्षिणी तट पर पुनर्निर्मित Globe से लेकर सादे-मंच के न्यूनतमवाद से लेकर पूर्व उपनिवेशित देशों में राजनीतिक रूप से संलग्न रूपांतरणों तक — प्रस्तुतियाँ दी हैं, नाट्य-सामग्री के रूप में Shakespeare की निरंतर जीवंतता की गवाही देती है।

लेखकत्व का प्रश्न

इस बारे में लगातार बनी रहने वाली लोकप्रिय जिज्ञासा कि Shakespeare के नाटक किसने लिखे — तथाकथित लेखकत्व विवाद — ईमानदार उपचार का अधिकार रखती है, आंशिक रूप से इसलिए कि यह ध्यान आकर्षित करती रहती है और आंशिक रूप से इसलिए कि इस पर विद्वत्-सहमति स्पष्ट है। यह सहमति, उपलब्ध सभी प्रमाणों की जाँच पर आधारित, यह है कि William Shakespeare of Stratford-upon-Avon को जिम्मेदार नाटक और कविताएँ उन्हीं के द्वारा लिखी गई थीं, और शताब्दियों में प्रस्तावित वैकल्पिक उम्मीदवारों — Francis Bacon, Earl of Oxford, Christopher Marlowe और अन्य — के पास उन्हें विस्थापित करने के लिए आवश्यक प्रमाण का अभाव है।

लेखकत्व विवाद मुख्यतः इस तर्क पर आधारित है कि Stratford के Shakespeare में उनसे जिम्मेदार कृतियाँ लिखने के लिए आवश्यक शिक्षा, सामाजिक संबंध और व्यक्तिगत अनुभव नहीं था। यह तर्क एक विशेष सामाजिक धारणा को दर्शाता है — कि इस परिष्कार की कृतियाँ उच्च सामाजिक हैसियत और औपचारिक शिक्षा वाले व्यक्ति द्वारा लिखी गई होंगी — जिसे ऐतिहासिक प्रमाण समर्थन नहीं करता। नाटकों का शास्त्रीय साहित्य, इतालवी परिवेश, कानूनी शब्दावली और अभिजात संस्कृति का ज्ञान, हालाँकि वास्तविक है, Stratford के King's New School में उपलब्ध शिक्षा, एक सर्वभक्षी पाठक द्वारा प्राप्त की जा सकने वाली गहन स्व-शिक्षा और Elizabethan रंगमंच में एक कैरियर द्वारा समाज के सभी स्तरों के साथ गहन संपर्क के साथ सुसंगत है।

Shakespeare के लेखकत्व के पक्ष में सकारात्मक प्रमाण व्यापक है और इसमें शामिल है: विशिष्ट कृतियों के लेखक के रूप में Shakespeare के समकालीन संदर्भ; First Folio में Jonson की स्मृति-कविता, जो लेखक को Stratford के मूल निवासी के रूप में पहचानने वाले शब्दों में "Avon के मीठे हंस" की प्रशंसा करती है; First Folio के समर्पण में Shakespeare के साथी अभिनेताओं Heminge और Condell की गवाही; और उनके नाट्य-कैरियर की बहुत सार्वजनिक प्रकृति के बावजूद Shakespeare के लेखकत्व का किसी समकालीन इनकार का अभाव। इस प्रमाण के विरुद्ध, विभिन्न वैकल्पिक उम्मीदवार केवल अटकलबाज़ी और सामाजिक अपरिसंभाव्यता के तर्क की पेशकश कर सकते हैं।

इक्कीसवीं सदी में Shakespeare

इक्कीसवीं सदी की शुरुआत में Shakespeare इतिहास के किसी भी पिछले बिंदु की तुलना में अधिक व्यापक रूप से मंचित, अधिक विस्तृत रूप से अध्ययन किया गया और वैश्विक संस्कृति में अधिक गहराई से एकीकृत है। उनके नाटक दुनिया के हर देश में प्रतिवर्ष मंचित होते हैं, हर प्रमुख भाषा में अनूदित होते हैं, और हर कल्पनीय नाट्य-शैली और माध्यम के लिए रूपांतरित किए जाते हैं। Shakespeare उद्योग — शैक्षणिक संस्करण, विद्वत्तापूर्ण पत्रिकाएँ, नाट्य-प्रस्तुतियाँ, फ़िल्में, टेलीविज़न रूपांतरण, विद्यालय पाठ्यक्रम, पर्यटन आकर्षण — ऐसी आर्थिक गतिविधि उत्पन्न करता है जो उस व्यक्ति को चकित कर देती जिसने Elizabethan लंदन के एक व्यावसायिक थिएटर के लिए लिखा था।

Thames के दक्षिणी तट पर Globe Theatre, जिसे विद्वत्तापूर्ण ज्ञान जितना अनुमति देता है उतना मूल के करीब पुनर्निर्मित किया गया और 1997 में खोला गया, एक ऐसा स्थल प्रदान करता है जहाँ नाटकों का अनुभव उन परिस्थितियों के कुछ करीब किया जा सकता है जिनके लिए वे लिखे गए थे: खुले आकाश में, आँगन में खड़े दर्शकों के साथ, ऐसी प्रस्तुतियों में जो मूल मंच की वास्तुकला-संबंधी विशेषताओं का उपयोग करती हैं। Globe की प्रस्तुतियों ने उन दर्शकों के लिए — जो Shakespeare को केवल proscenium थिएटरों में या फ़िल्म में जानते थे — वह नाट्य-जीवंतता प्रदर्शित की है जो नाटकों में सदा मौजूद थी लेकिन जिसे मूल मंच की परिस्थितियाँ सबसे सीधे प्रकट करती हैं।

डिजिटल क्रांति ने इंटरनेट कनेक्शन के साथ दुनिया में किसी के लिए भी Shakespeare की कृतियों का पूरा पाठ उपलब्ध कर दिया है, और इसने पाठ्य विद्वत्ता और सांस्कृतिक विश्लेषण के नए रूपों को सक्षम किया है जो केवल-मुद्रण संसाधनों के साथ असंभव होते। Shakespeare की प्रस्तुतियों, रूपांतरणों और प्रतिक्रियाओं का विशाल डिजिटल संग्रह सांस्कृतिक इतिहासकारों को ऐसी समृद्धि की सामग्री प्रदान करता है जिसे पूर्व-डिजिटल युग में संकलित करने के लिए जीवन भर का संग्रह-कार्य चाहिए होता।

Shakespeare के शैक्षणिक अध्ययन का विस्तार ऐसे दृष्टिकोणों को समाहित करने के लिए हुआ है जो पहले के आलोचकों के लिए अपरिचित होते। Ecocritical पाठ नाटकों में प्राकृतिक संसार के चित्रणों की जाँच करते हैं; disability studies शारीरिक और मानसिक भिन्नता के पात्रों पर ध्यान देते हैं; performance studies नाट्य-निर्माण के शारीरिक और भौतिक आयामों पर ध्यान केंद्रित करते हैं; और कम्प्यूटेशनल पद्धतियाँ पाठों में बड़े पैमाने के प्रतिरूपों का सांख्यिकीय विश्लेषण सक्षम करती हैं। ये विविध दृष्टिकोण, हालाँकि वे कभी-कभी Shakespeare के बजाय समकालीन सिद्धांत में अधिक रुचि रखते प्रतीत होते हैं, वास्तविक अंतर्दृष्टि उत्पन्न की है और Shakespeare अध्ययन को बौद्धिक रूप से जीवंत बनाए रखा है।

इक्कीसवीं सदी में Shakespeare की वैश्विक पहुँच उनके प्रसार से जुड़े सांस्कृतिक साम्राज्यवाद के बारे में प्रश्न उठाती है। अंग्रेज़ी-भाषी शक्तियों के औपनिवेशिक शासन के इतिहास वाले देशों में, पारंपरिक पाश्चात्य साहित्यिक व्यक्तित्व के रूप में Shakespeare की स्थिति थोपी गई और अपनाई गई, प्रतिरोध किया गया और आत्मसात किया गया है, जटिल प्रतिरूपों में जो उत्तर-औपनिवेशिक सांस्कृतिक समझौताकरण की बड़ी गतिशीलता को दर्शाते हैं। पूर्व-उपनिवेशित समाजों के लेखकों और रंगमंच-निर्माताओं द्वारा Shakespeare का विनियोग — The Tempest को Caliban के दृष्टिकोण से फिर लिखना, King Lear को अफ्रीकी परिवेशों में मंचित करना, Hamlet का उपयोग Denmark से बहुत दूर के संदर्भों में राजनीतिक दायित्व के प्रश्नों की खोज के लिए करना — एक साझा सांस्कृतिक विरासत पर दावा और उस विरासत का एक रूपांतरण दोनों है जिसे Shakespeare स्वयं, जो हमेशा अपने स्रोतों को रूपांतरित कर रहे थे, पहचान सकते थे और सराह सकते थे।

Shakespeare का व्यक्तिगत जीवन और चरित्र

Shakespeare के बारे में व्यक्तिगत जानकारी की सापेक्षिक कमी ने उनके निजी जीवन, व्यक्तिगत संबंधों और आंतरिक अनुभव के बारे में अटकलबाज़ी की एक समृद्ध परंपरा के संचय को नहीं रोका है। इस अटकलबाज़ी में से कुछ वास्तविक ऐतिहासिक प्रमाण में आधारित है; इसका अधिकांश हिस्सा कृतियों से जीवन पर प्रक्षेपण है, जो एक पद्धतिगत रूप से अविश्वसनीय प्रक्रिया है, भले ही यह दिलचस्प परिणाम उत्पन्न करे।

Shakespeare के व्यक्तिगत जीवन के बारे में जो कुछ हम उचित निश्चितता के साथ जानते हैं वह सीमित है। Anne Hathaway के साथ उनका विवाह, जो उनसे आठ वर्ष बड़ी थीं, बहुत अटकलबाज़ी का विषय रहा है, आंशिक रूप से इसलिए कि Anne Shakespeare के लंदन कैरियर के दस्तावेज़ी अभिलेखों में प्रकट नहीं होती और आंशिक रूप से इसलिए कि उनकी वसीयत, जो मृत्यु से कुछ पहले बनाई गई थी, उन्हें "मेरा दूसरे नंबर का बिस्तर और उसके सामान" दे गई। दूसरे नंबर के बिस्तर की विरासत को एक तनावग्रस्त विवाह के प्रमाण के रूप में, विधवा के पारिवारिक बिस्तर के उपयोग के लिए एक प्रचलित प्रावधान के रूप में, और जानबूझकर अपमान के रूप में व्याख्यायित किया गया है। सच अज्ञेय है।

उनके पुत्र Hamnet के साथ उनका रिश्ता, जो 1596 में ग्यारह वर्ष की आयु में मर गया, काफी भावनात्मक अटकलबाज़ी का विषय रहा है। Hamlet की समय-निर्धारण — Hamnet की मृत्यु के कुछ वर्षों के भीतर लिखा गया — और नामों की समानता ने कुछ आलोचकों को यह सुझाव दिया है कि नाटक आंशिक रूप से पितृ-दुःख पर एक चिंतन है। यह व्याख्या न तो पुष्टि की जा सकती है न खंडित, लेकिन यह Shakespeare के परिपक्व काम में क्षति, मृत्युबोध और समय में स्वयं के अस्तित्व के प्रश्नों के साथ एक गहन संलग्नता के सुसंगत प्रतिरूप की ओर इशारा करती है जो चाहे कितनी भी अप्रत्यक्ष रूप से हो, उनके अपने दुःख के अनुभव को दर्शा सकती है।

सॉनेट ने Shakespeare के व्यक्तिगत संबंधों के बारे में सबसे व्यापक अटकलबाज़ी उत्पन्न की है। उस युवक की पहचान जिसे अधिकांश सॉनेट संबोधित हैं, अंतिम अनुक्रम में प्रकट होने वाली श्याम स्त्री, और संक्षेप में प्रकट होने वाला प्रतिद्वंद्वी कवि — इन सभी को पहचाने जाने योग्य ऐतिहासिक व्यक्तियों के रूप में प्रस्तावित किया गया है, जिनमें युवक के लिए Earl of Southampton से Earl of Pembroke तक और श्याम स्त्री के लिए विभिन्न दरबारी महिलाओं से Emilia Bassano तक के उम्मीदवार शामिल हैं। इन पहचानों में से किसी ने भी विद्वत्-सहमति नहीं जीती है, और सॉनेट का मूल्य उन जीवनीपरक पहेलियों को सुलझाने पर निर्भर नहीं करता जिन्हें उपलब्ध प्रमाण नहीं सुलझा सकते।

दस्तावेज़ी प्रमाण जो दिखाता है वह है व्यावहारिक बुद्धिमत्ता और सांसारिक महत्वाकांक्षा का एक व्यक्ति जिसने अपने नाट्य-कैरियर के लाभ का उपयोग अपने मूल कस्बे में संपत्ति और सामाजिक हैसियत अर्जित करने, अपने परिवार के लिए एक शस्त्र-चिह्न सुरक्षित करने और New Place में परिवार को Stratford के सबसे प्रमुख घर में स्थापित करने के लिए किया। यह एक ऐसे व्यक्ति का चित्र जिसने अपने कैरियर को काफी चतुराई से प्रबंधित किया, जिसने लंदन की अचल संपत्ति में और नाट्य-शेयरों में बुद्धिमानी से निवेश किया, और जो एक सम्पन्न सज्जन के रूप में Stratford सेवानिवृत्त हुआ, प्रमाण के साथ सुसंगत है और शायद कृतियों की सराहना के लिए निरासक्त कलात्मक प्रतिभा की रोमांटिक छवि की तुलना में एक स्वस्थ आधार है।

Shakespeare का स्थायी महत्त्व

साहित्य और संस्कृति के इतिहास में Shakespeare की कृतियों का महत्त्व ऐसा है कि कुछ अनुच्छेदों में इसे संक्षेपित करने का कोई भी प्रयास या तो घिसी-पिटी बात कहने या अशुद्धि का जोखिम उठाता है। कुछ टिप्पणियाँ, हालाँकि, विश्वास के साथ की जा सकती हैं।

Shakespeare ने साहित्यिक प्रतिनिधित्व की मनोवैज्ञानिक सीमा का उन तरीकों से विस्तार किया जिसने पाश्चात्य परंपरा के सभी परवर्ती साहित्य को आकार दिया है। Hamlet की आंतरिक जटिलता, Macbeth की आत्म-विभाजित चेतना, Lear की विकसित होती जागरूकता, Othello की विनाशकारी ईर्ष्या — ये मनोवैज्ञानिक चित्रण की ऐसी गहराई का प्रतिनिधित्व करते हैं जो नाट्य-परंपरा में अभूतपूर्व थी और जिसने मनोवैज्ञानिक उपन्यास, मनोवैज्ञानिक नाटक और मनोवैज्ञानिक फ़िल्म के लिए एक नमूना प्रदान किया जो बाद की शताब्दियों के सबसे महत्वाकांक्षी साहित्यिक और सिनेमाई काम को परिभाषित करते रहे हैं।

उन्होंने अंग्रेज़ी को उच्चतम साहित्यिक और बौद्धिक महत्वाकांक्षा की भाषा के रूप में स्थापित किया। जब यूरोपीय संस्कृति की प्रतिष्ठित भाषाएँ लैटिन, यूनानी और इतालवी थीं, तब Shakespeare की कृतियों ने प्रदर्शित किया कि आम लोग जो देसी अंग्रेज़ी बोलते और लिखते थे वह शास्त्रीय भाषाओं की गहराई, सुंदरता और जटिलता प्राप्त कर सकती है। इस प्रदर्शन का विशाल सांस्कृतिक महत्त्व था: इसने अंग्रेज़ी को गंभीर साहित्यिक और बौद्धिक काम की भाषा के रूप में विकास सक्षम किया और उस व्यापक प्रक्रिया में योगदान दिया जिसके द्वारा यूरोपीय देशी भाषाओं ने लैटिन को यूरोपीय बौद्धिक संस्कृति के प्राथमिक माध्यम के रूप में प्रतिस्थापित किया।

मानवीय अवस्था के बारे में उनकी दृष्टि — एक साथ हास्यपूर्ण और त्रासद, असाधारण महानता और भयावह अधमता दोनों में सक्षम, सदा आकांक्षा और सीमा के बीच तनाव में — ने वे परिभाषित छवियाँ प्रदान की हैं जिनके माध्यम से चार शताब्दियों के पाठकों और दर्शकों ने अपने स्वयं के अनुभव का अर्थ बनाया है। नाटक वास्तविकता के दर्पण नहीं बल्कि वास्तविकता का अधिक पूर्णता से अनुभव करने के उपकरण हैं, और जो अनुभव वे प्रदान करते हैं — मानवीय भावना और मानवीय संभावना की पूरी सीमा, नाट्य-कला के रूपों द्वारा संघनित और तीव्र — इक्कीसवीं सदी में उतना ही उपलब्ध और उतना ही ज़रूरी है जितना तब था जब नाटक Thames के दक्षिणी तट पर खुले-आकाश थिएटर में पहली बार प्रस्तुत किए गए थे।

William Shakespeare का बपतिस्मा 1564 में अंग्रेज़ी Midlands के एक बाज़ार कस्बे में हुआ और 1616 में उसी कस्बे में उनका निधन हो गया। बीच की आधी सदी में, उन्होंने ऐसी कृतियाँ लिखीं जो बाद की चार शताब्दियों के हर राजनीतिक, सामाजिक और तकनीकी परिवर्तन से आगे बची रहीं और जो आने वाली शताब्दियों के परिवर्तनों से भी आगे बचती रहने के हर संकेत देती हैं। उनकी उपलब्धि का अंतिम माप कोई आलोचनात्मक सूत्र नहीं बल्कि उनकी कृतियों का उन दर्शकों द्वारा निरंतर अनुभव है जो उनसे मिलते हैं: वह हँसी, वे आँसू, वह पहचान, वह प्रकाशन जो उनके नाटक दुनिया भर के थिएटरों, कक्षाओं और बैठक-कक्षों में उतनी ही ताज़गी और शक्ति के साथ उत्पन्न करते रहते हैं जितना तब करते थे जब Globe नया था और भाषा युवा थी।

समस्या-नाटक: हास्य-रूप में अंधकार

1601 और 1604 के बीच, Shakespeare ने नाटकों का एक समूह लिखा जिसे आलोचकों ने संतोषजनक ढंग से न तो हास्य न त्रासदी के रूप में वर्गीकृत करना मुश्किल पाया है: All's Well That Ends Well, Troilus and Cressida, और Measure for Measure। ये तथाकथित समस्या-नाटक या अंधेरी हास्य कृतियाँ हास्य-रूप — सुलह और विवाह की ओर अपेक्षित गति — और उन अंधकारमय सामग्रियों के बीच एक लगातार व्यंग्यात्मक खाई की विशेषता रखती हैं जो सहज समाधान का विरोध करती हैं। ये बीसवीं और इक्कीसवीं सदियों में Shakespeare की सबसे अधिक चर्चित कृतियों में से रही हैं, ठीक इसलिए क्योंकि आसान संतुष्टि से उनका इनकार एक ऐसी आधुनिक संवेदनशीलता से बात करता है जो परंपरागत हास्य के आत्मविश्वासपूर्ण समाधानों की तुलना में व्यंग्य और अस्पष्टता के प्रति अधिक सहज है।

Measure for Measure (1603-04) समस्या-नाटकों में सबसे अधिक नाट्य-रूप से शक्तिशाली है और जो अपने केंद्रीय मुद्दों को सबसे सीधे उठाती है। Vienna का Duke, शहर से जाते हुए और शासन की बागडोर अपने उप-प्रतिनिधि Angelo के हाथों में छोड़ते हुए, एक ऐसी कथानक-रेखा शुरू करता है जो Angelo की पाखंडता को उजागर करेगी — वह Claudio को व्यभिचार के लिए मृत्युदंड देता है, जबकि खुद Claudio की बहन Isabella के साथ यौन संबंध के बदले में Claudio को बचाने का प्रस्ताव करता है — और जो एक बेड-ट्रिक प्रतिस्थापनों और नाट्य-उद्घाटनों की शृंखला द्वारा सुलझाई जाएगी। नाटक की सामग्री गहरे रूप से कष्टकर है: बेड-ट्रिक, जिसमें Mariana (Angelo की पूर्व मंगेतर) एक रात्रिकालीन मुठभेड़ में Isabella के स्थान पर जाती है जिसे Angelo Isabella के साथ समझता है, नैतिक रूप से उन तरीकों से कष्टकर है जिनका हास्य-समाधान पूरी तरह समाधान नहीं करता। भेस और हेरफेर के माध्यम से घटनाओं के Duke के प्रबंधन में ऐसे अधिनायकवादी तत्त्व हैं जो न्याय के एजेंट के रूप में उनकी भूमिका को जटिल बनाते हैं। Isabella का अंत में Duke के साथ जबरन विवाह — उसे स्वीकार या अस्वीकार करने की कोई पंक्ति नहीं दी गई है — बहुत से पाठकों द्वारा उस आत्म-निर्धारण के उल्लंघन के रूप में अनुभव किया जाता है जिसे उसके चरित्र-चित्रण ने लगातार स्थापित किया था।

Troilus and Cressida (1601-02) समूह में सबसे निराशावादी है, एक ऐसा नाटक जो Trojan War की वीरोचित पौराणिकता को एक लगातार व्यंग्यात्मक बुद्धिमत्ता के साथ नष्ट करता है जो संघर्ष के दोनों पक्षों को वास्तविक सद्गुण से रहित पाती है। Troilus भोला है, Cressida ऐसी परिस्थितियों में फँसी है जो उसे कोई अच्छा विकल्प नहीं छोड़तीं, और दोनों सेनाओं के नायक — Achilles, Ajax, Ulysses, Hector — अहंकारी, चालाक या बस क्रूर के रूप में उजागर किए जाते हैं। नाटक Hector की मृत्यु, प्रेमियों के अलगाव और Pandarus के उस कटु संबोधन के साथ समाप्त होता है जो नाटक की दुनिया को समकालीन यौन रोग और शोषण की दुनिया से जोड़ता है। यह एक ऐसा नाटक है जिसका कोई उपयोगी अंत नहीं है, और इसे देने से उसका इनकार उसकी बौद्धिक ईमानदारी का माप है।

Shakespeare के रोमन नाटक

प्राचीन रोम में स्थापित चार नाटक — Titus Andronicus, Julius Caesar, Antony and Cleopatra, और Coriolanus — Shakespeare की रचनाओं के भीतर एक विशिष्ट समूह बनाते हैं, जो रोमन इतिहास या किंवदंती में अपनी पृष्ठभूमि और सार्वजनिक सद्गुण और निजी आवेग के बीच, राजनीतिक समुदाय की माँगों और व्यक्तिगत कामना के दावों के बीच संबंध के साथ एक साझा व्यस्तता साझा करते हैं।

Julius Caesar (1599), परिपक्व रोमन नाटकों में सबसे पहला, उस व्याख्यात्मक समस्या के इर्द-गिर्द संरचित है जो इसके केंद्र में है: क्या Caesar की Brutus द्वारा हत्या गणतांत्रिक सिद्धांत का कार्य था या व्यक्तिगत निष्ठा का विश्वासघात। नाटक इस प्रश्न को सुलझाने से इनकार करता है, Caesar की उभरती तानाशाही और Brutus की नेक भोलेपन दोनों को समान नाट्य-सहानुभूति के सा