Historia de la Música y los Instrumentos

Introducción

La música es una de las expresiones más antiguas y universales de la cultura humana, un fenómeno tan profundamente tejido en el tejido de la experiencia humana que ninguna civilización en la historia registrada ha existido sin ella. Desde las primeras flautas de hueso talladas por cazadores del Paleolítico hasta las composiciones generadas algorítmicamente del siglo veintiuno, desde los himnos sagrados de los sacerdotes mesopotámicos hasta los riffs de guitarra electrificada que sacudieron el siglo veinte, la historia de la música es inseparable de la historia de la humanidad misma. La historia de los instrumentos musicales sigue este camino, y cada nueva tecnología del sonido abre nuevos horizontes de expresión, ritual, comunicación y belleza artística.

La música ha servido a todos los propósitos humanos imaginables a lo largo de los siglos. Ha acompañado ceremonias religiosas y funerales, inspirado ejércitos y arrullado a los bebés para que duerman, marcado las estaciones y celebrado las cosechas, expresado el amor y articulado el duelo, desafiado la autoridad política y reforzado las jerarquías sociales. Ha sido un vehículo para la memoria colectiva en culturas sin escritura, preservando genealogías, leyes y cosmologías en forma melódica mucho antes de la invención del alfabeto. Las tradiciones musicales más antiguas del mundo demuestran cuán profundamente la música satisface algo esencial en la psicología humana, algo que llega por debajo del nivel del lenguaje y habla directamente a la emoción, el movimiento y la pertenencia social.

La historia global de la música es también una historia de contacto, intercambio y transformación. Ninguna tradición musical se ha desarrollado jamás en completo aislamiento. Las rutas comerciales llevaron instrumentos y escalas a través de los continentes. La conquista y la colonización unieron culturas musicales de maneras a veces violentas, a veces generativas. El comercio transatlántico de esclavos trasplantó las sensibilidades musicales africanas a las Américas, donde eventualmente darían origen al blues, el jazz, el rock and roll y docenas de otros géneros que transformaron la escucha de todo el mundo. La Ruta de la Seda llevó el laúd hacia el oeste desde Asia Central hasta que se convirtió en la base de la música del Renacimiento europeo. La historia de la música es, en muchos sentidos, una historia de migración y encuentro humano, de ideas que cruzan fronteras y echan raíces en nueva tierra.

Comprender la historia de la música y la evolución de los instrumentos musicales requiere atención tanto a lo material como a lo cultural. Los instrumentos son objetos físicos moldeados por los materiales disponibles en entornos particulares, por el conocimiento técnico de sus fabricantes, por los ideales estéticos y las necesidades rituales de comunidades particulares. Una flauta de bambú del sudeste asiático refleja la ecología y la artesanía de su región. Un cuerno de latón de una orquesta europea del siglo diecinueve refleja la metalurgia industrial de su era. Una estación de trabajo de audio digital refleja la revolución computacional de finales del siglo veinte. Cada instrumento es un artefacto de su tiempo y lugar, una expresión concentrada de la civilización que lo produjo.

Este estudio exhaustivo traza la historia completa de la música y los instrumentos musicales desde las civilizaciones antiguas hasta la industria musical moderna, avanzando por la prehistoria, la antigüedad, el período medieval, el Renacimiento, el Barroco, las eras Clásica y Romántica, y hacia los siglos veinte y veintiuno. Examina la música de arte europea junto a las ricas tradiciones de Asia, África, las Américas y el Medio Oriente, reconociendo que el canon clásico occidental, por magnífico que sea, representa solo un hilo en un tapiz global extraordinariamente diverso. Traza el desarrollo de la teoría musical, la notación y la tecnología de reproducción del sonido junto a la historia de compositores, intérpretes y géneros. Y presta especial atención a las dimensiones sociales y políticas de la historia musical, las formas en que la música ha estado ligada a cuestiones de poder, identidad, resistencia y pertenencia.

El artículo que sigue está organizado temática y cronológicamente, avanzando desde las primeras evidencias de actividad musical en tiempos prehistóricos a través de las principales tradiciones del mundo antiguo, el florecimiento de la música de arte europea en los períodos medieval y moderno temprano, las tradiciones vernáculas de la música folclórica alrededor del mundo, y la explosiva diversificación de las formas musicales en la era moderna. Cierra con un panorama de la industria musical contemporánea, un sistema tan complejo y trascendente como cualquier otro en el mundo cultural, moldeado por la revolución digital, las redes globales de comunicación y el perdurable apetito humano por el sonido organizado.

La música prehistórica y los instrumentos más antiguos

La búsqueda de los orígenes de la música nos lleva profundamente a la prehistoria humana, a un tiempo antes de la escritura, antes de la agricultura, antes de las ciudades, antes de la civilización tal como generalmente la entendemos. La evidencia es fragmentaria y a menudo ambigua, pero señala inequívocamente hacia la conclusión de que hacer música es uno de los comportamientos humanos más antiguos, que precede en decenas de miles de años a los registros escritos más tempranos. La pregunta de cuándo los seres humanos comenzaron por primera vez a hacer música es una de las más fascinantes y debatidas en todo el campo de la prehistoria, tocando cuestiones fundamentales sobre la naturaleza de la cognición humana, el lenguaje, el comportamiento social y la experiencia estética.

Los instrumentos musicales confirmados más antiguos descubiertos hasta ahora son un conjunto de flautas de hueso y marfil encontradas en cuevas del suroeste de Alemania, principalmente en la región del Jura de Suabia. La más celebrada de estas es la Flauta de Hueso de Buitre descubierta en la cueva de Hohle Fels, que ha sido datada en aproximadamente 40,000 años atrás, ubicándola firmemente en el Paleolítico Superior y asociándola con humanos anatómicamente modernos. La flauta está hecha del hueso del ala de un buitre leonado y tiene cinco agujeros para los dedos, lo que sugiere una capacidad para la melodía que va mucho más allá de la simple producción de ruido. Una segunda flauta del mismo período, encontrada en Hohle Fels y hecha de marfil de mamut, demuestra que los primeros humanos usaban múltiples materiales y técnicas para construir instrumentos. Otras flautas de las cercanas cuevas de Vogelherd y Geissenklosterle han sido datadas en períodos similares, representando colectivamente la tradición más antigua conocida de fabricación de instrumentos musicales en el mundo.

Lo que resulta notable de estos instrumentos no es solo su antigüedad sino su sofisticación técnica. La Flauta de Hueso de Buitre, cuando se reconstruye y se toca, es capaz de producir una escala diatónica completa, lo que sugiere que su creador había desarrollado una comprensión sistemática de las relaciones de altura tonal. La elección de materiales, la precisión de los agujeros para los dedos y la calidad general de la manufactura indican que quien hizo estos instrumentos no estaba experimentando a ciegas sino trabajando dentro de una tradición establecida de conocimiento artesanal. Esto significa que la práctica de hacer y tocar flautas debe haber comenzado aún antes, quizás considerablemente, en un período del que aún no se han encontrado instrumentos.

La pregunta de si los neandertales también hacían música es uno de los temas más debatidos en la arqueología prehistórica. Un fragmento de hueso encontrado en la cueva de Divje Babe en Eslovenia, datado en aproximadamente 50,000 a 60,000 años atrás y atribuido por algunos investigadores a la ocupación de neandertales, ha sido interpretado por algunos académicos como una flauta, con agujeros que corresponden a una escala diatónica. Otros investigadores sostienen que los agujeros son el resultado del mordisqueo de carnívoros más que de una fabricación deliberada. La controversia sigue sin resolverse, pero la posibilidad de que los neandertales fueran seres musicales tiene profundas implicaciones para nuestra comprensión de las capacidades cognitivas de los humanos arcaicos y para la historia evolutiva de la música misma.

Más allá de las flautas, los instrumentos más antiguos del mundo prehistórico incluían instrumentos de percusión de varios tipos. Rocas golpeadas entre sí, huesos usados como palmas, troncos huecos golpeados con palos, pieles de animales estiradas que servían como tambores, sonajeros hechos de calabazas o vejigas de animales llenas de piedrecillas: todo esto puede inferirse del registro arqueológico incluso cuando la evidencia directa es escasa. Las pinturas rupestres en sitios como Lascaux en Francia y Altamira en España, que datan de aproximadamente 15,000 a 30,000 años atrás, a veces representan figuras en posturas que sugieren danza, y algunos investigadores han argumentado que las propiedades acústicas de cámaras específicas de cuevas, que producen notables efectos de eco y resonancia, fueron deliberadamente explotadas para el ritual musical. Las paredes de ciertas cuevas decoradas parecen corresponder a zonas de calidad acústica particularmente rica, lo que sugiere que las pinturas y la música formaban parte de una experiencia ceremonial integrada.

Los propósitos de la música prehistórica solo pueden inferirse, pero varias hipótesis han atraído la atención académica. El propio Darwin sugirió que la música pudo haber evolucionado como una forma de selección sexual, una hipótesis que ha sido retomada y elaborada por psicólogos evolutivos. Otros han argumentado que la música evolucionó como una herramienta de cohesión social, permitiendo a grupos más grandes de humanos tempranos mantener la cohesión en ausencia del acicalamiento personal que cumple esta función en grupos de primates más pequeños. Geoffrey Miller y otros teóricos evolutivos han propuesto que la música, como el lenguaje, era un subproducto de las adaptaciones cognitivas que evolucionaron para otros propósitos. Steven Mithen ha argumentado que la música precedió al lenguaje y sirvió como una especie de precursor del habla articulada, una visión que él llama comunicación Hmmmmm (holística, manipuladora, multimodal, musical y mimética).

La historia de la música y los instrumentos musicales en la era prehistórica también incluye el desarrollo de cordófonos e idiófonos simples. El arco musical, un arco de caza sostenido en la boca y punteado para producir un sonido, se encuentra en culturas indígenas en múltiples continentes y se cree que representa uno de los conceptos de instrumento de cuerda más antiguos, posiblemente anterior a las liras y arpas más complejas del mundo antiguo por muchos miles de años. Los bramadores, piezas planas de madera giradas en una cuerda para producir un sonido rugiente, han sido encontrados en sitios arqueológicos en múltiples continentes y aparecen en tradiciones rituales vivas en Australia, África y las Américas, lo que sugiere una gran antigüedad.

La aparición de la música en la prehistoria humana estuvo casi con certeza conectada al desarrollo del lenguaje, la religión y la organización social. La música y el ritual parecen haber sido inseparables en las primeras comunidades humanas, una conexión que persiste en muchas culturas tradicionales hasta el día de hoy. La repetición rítmica que caracteriza gran parte de la música puede estar conectada a estados alterados de conciencia, los estados de trance inducidos por los tambores que juegan un papel central en las tradiciones chamánicas alrededor del mundo. Las cuevas alemanas que produjeron las flautas más antiguas conocidas también contienen algunos de los más antiguos conocidos arte figurativo, incluida la famosa escultura del Hombre León, lo que sugiere que la música, el arte visual y el pensamiento simbólico formaban parte de una única revolución cognitiva que transformó la cultura humana hace unos 40,000 años.

El estudio de la etnomusicología, el estudio comparativo de la música de diferentes culturas, proporciona una perspectiva adicional sobre las prácticas musicales prehistóricas. Muchas características que parecen ser universales o casi universales en la música humana, como el uso de niveles de tono discretos en lugar de deslizamientos continuos, la organización del ritmo en patrones regulares, el uso de la repetición y la variación, y la asociación de la música con la actividad comunal, pueden reflejar características profundas de la cognición humana que evolucionaron en el pasado prehistórico. La notable consistencia de ciertas escalas musicales entre culturas que no tuvieron contacto histórico entre sí, como la amplia ocurrencia de escalas pentatónicas en Asia, África y América precolombina, ha sido citada como evidencia de que algunos aspectos de la percepción musical están integrados en el sistema auditivo humano más que ser puramente convenciones culturales.

A medida que las poblaciones humanas se extendieron por todo el mundo tras la última Edad de Hielo y eventualmente desarrollaron la agricultura y las sociedades sedentarias, las prácticas musicales se diversificaron enormemente. Los diferentes entornos ecológicos alentaron el desarrollo de diferentes instrumentos. Las cañas que crecen en ambientes ribereños condujeron naturalmente a las flautas de caña y los shawms. La disponibilidad de grandes huesos de animales fomentó el desarrollo de instrumentos de hueso. Las tradiciones de trabajo del metal eventualmente produjeron campanas y cuernos de bronce. Las culturas musicales específicas que surgieron en diferentes partes del mundo reflejaron los materiales, las estructuras sociales y las cosmovisiones espirituales de sus respectivas comunidades, incluso cuando compartían ciertas características fundamentales que hablaban de un patrimonio musical humano común que se extendía hasta las cuevas paleolíticas de Europa.

La música en la antigua Mesopotamia y Egipto

Las civilizaciones de la antigua Mesopotamia y Egipto, las dos grandes culturas de los valles fluviales del antiguo Cercano Oriente, produjeron los registros escritos más tempranos de práctica musical en la historia humana. Estos registros, inscritos en cuneiforme sobre tablillas de arcilla y en jeroglíficos sobre papiro y piedra, revelan culturas musicales sofisticadas con instrumentos elaborados, músicos profesionales, complejas funciones religiosas para la música, y en el caso mesopotámico, lo que parecen ser los primeros ejemplos conocidos de notación musical escrita. La historia de la música antigua en estas dos civilizaciones ilumina el papel del sonido organizado en el surgimiento de sociedades complejas y las formas en que la música quedó integrada en las estructuras religiosas, políticas y económicas de los primeros estados.

En Mesopotamia, la tierra entre los ríos Tigris y Éufrates en lo que hoy es Irak, la música jugó un papel central en la vida religiosa de las primeras ciudades-estado sumerias, comenzando alrededor del 3500 a.C. Los templos de Súmer mantenían grandes establecimientos musicales, atendidos por músicos profesionales que eran entrenados desde la infancia y servían a los dioses a través de la interpretación. Se cantaban himnos a deidades como Inanna, Nanna y Enlil, y la interpretación de estos himnos se consideraba un acto de devoción y un medio de mantener el orden cósmico. Los músicos del templo ocupaban una posición social respetada, con sus salarios y raciones registrados en los meticulosos sistemas contables de la burocracia sumeria.

Los instrumentos de la antigua Súmer eran variados y sofisticados. La lira de toro, un gran cordófono con una caja de resonancia decorada con una cabeza de toro, es uno de los artefactos más espectaculares que han sobrevivido de este período. Varios ejemplos notablemente preservados fueron recuperados del Cementerio Real de Ur, excavado por Leonard Woolley en la década de 1920, y datados en aproximadamente el 2500 a.C. Estos instrumentos, enterrados con sus dueños reales y los músicos que los tocaban, nos dan una imagen vívida de la importancia de la música en los niveles más altos de la sociedad sumeria. Las liras de Ur tenían entre cuatro y once cuerdas y eran tocadas por músicos sentados, tal como se representa en el famoso mosaico del Estandarte de Ur.

Otros importantes instrumentos mesopotámicos incluían el sammum (una pequeña lira), varios tipos de flautas y pipas de caña, tambores de marco y timbales. El timbal en particular tenía un significado sagrado en la religión mesopotámica, y su fabricación y uso estaban regidos por elaborados procedimientos rituales. Un grupo de textos cuneiformes conocidos como la serie nabnitu, que data del primer milenio a.C., describe procedimientos de afinación para liras en términos que pueden interpretarse como representando siete patrones de escala o modos diferentes, evidencia de una comprensión teórica sofisticada de los intervalos musicales.

La evidencia más notable del pensamiento musical mesopotámico antiguo es el Himno Hurrita a Nikkal, una tablilla cuneiforme descubierta en la antigua ciudad de Ugarit (en la actual Siria) y datada en aproximadamente el 1400 a.C. Esta tablilla contiene lo que se considera ampliamente como la pieza de música más antigua para la que tenemos tanto notación como una interpretación razonablemente confiable. El himno está dedicado a Nikkal, la diosa hurrita de los huertos y esposa del dios de la luna. Si bien el significado exacto de la notación sigue siendo objeto de debate académico, la existencia de música escrita en esta fecha demuestra que los músicos del antiguo Cercano Oriente habían desarrollado sistemas abstractos para representar estructuras musicales en forma escrita, un notable logro intelectual.

Babilonia, la civilización sucesora de Súmer en el sur de Mesopotamia, mantuvo y elaboró estas tradiciones musicales. La teoría musical babilónica, tal como se ha reconstruido a partir de textos cuneiformes, parece haber reconocido un sistema de escalas basado en la afinación de un instrumento de nueve cuerdas, con relaciones entre las cuerdas descritas en términos que anticipan la teoría musical griega posterior y la europea medieval. El descubrimiento de estas conexiones ha llevado a algunos académicos a proponer que la teoría musical del antiguo Cercano Oriente fue un ancestro directo de los sistemas teóricos que eventualmente se desarrollarían en la antigua Grecia y, a través de Grecia, en la Europa medieval y del Renacimiento.

En el antiguo Egipto, la música estaba igualmente integrada en la ceremonia religiosa y real, así como en la vida cotidiana. La cultura musical egipcia, que floreció a lo largo del Nilo desde aproximadamente el 3000 a.C. hasta la conquista romana, ha dejado un rico registro material en forma de instrumentos supervivientes, pinturas murales, esculturas y referencias textuales. Los egipcios fabricaban y tocaban una notable variedad de instrumentos. El arpa arqueada, conocida como benet, era uno de los instrumentos más prestigiosos en el antiguo Egipto, tocada en banquetes y en ceremonias del templo. Las arpas egipcias iban desde pequeños instrumentos sostenidos en el hombro hasta grandes modelos de pie con múltiples cuerdas, y aparecen con frecuencia en pinturas y relieves que representan a músicos de la corte interpretando para la realeza.

El aulos, un instrumento de viento de doble caña, también era popular en el antiguo Egipto y en el mundo antiguo más amplio, al igual que varios tipos de flauta. Los egipcios desarrollaron la flauta traversa, sostenida horizontalmente hacia un lado, en una fecha temprana, y existen ejemplos del período del Reino Antiguo alrededor del 2700 a.C. Los instrumentos de percusión eran particularmente prominentes en la música egipcia antigua, incluidos los sistros (sonajeros con discos metálicos ensartados en un marco, sagrados para la diosa Hathor), palmas de marfil o hueso, varios tipos de tambores y címbalos. El sistro estaba tan estrechamente asociado con el ritual religioso que su forma se convirtió en un signo jeroglífico.

Los músicos egipcios ocupaban diversas posiciones sociales según su función. Los músicos del templo, como sus homólogos mesopotámicos, servían a los dioses y formaban parte del establecimiento religioso. Las mujeres músicas, incluidas tanto las intérpretes profesionales como las sacerdotisas, jugaban un papel importante en la vida musical egipcia, particularmente en asociación con la diosa Hathor, quien era considerada la patrona divina de la música, la danza y el amor. La figura de Bes, una popular deidad doméstica asociada con la protección, la música y la alegría, era a menudo representada tocando una pandereta, lo que refleja la integración de la música en la vida religiosa doméstica y popular.

Las pinturas murales en las tumbas y templos egipcios proporcionan vívidas representaciones de la actuación musical en una variedad de contextos. Las pinturas de las tumbas del período del Reino Nuevo en particular muestran escenas de banquetes con orquestas de arpas, laúdes, flautas, oboes e instrumentos de percusión, a menudo acompañados de bailarines. Estas escenas revelan que la interpretación musical del antiguo Egipto involucraba no solo el sonido sino la integración de música, danza y espectáculo visual en una experiencia sensorial total. El laúd, que aparece en Egipto desde alrededor del 1580 a.C., probablemente llegó a través de rutas comerciales desde Mesopotamia o el Levante y eventualmente se extendió hacia el oeste para convertirse en uno de los instrumentos más importantes del mundo mediterráneo antiguo.

La relación entre la música egipcia antigua y la música griega antigua es un tema de investigación académica continua. Escritores griegos antiguos como Platón y Herodoto reconocieron una deuda con la cultura egipcia, y algunos académicos modernos han argumentado que elementos de la teoría musical griega, incluida la escala pentatónica y ciertos sistemas de afinación, pueden haber sido transmitidos desde Egipto a través del contacto y el intercambio cultural. El mundo mediterráneo oriental del segundo y primer milenio a.C. era una zona de intensa interacción cultural, con comerciantes fenicios, emisarios egipcios, colonos griegos y académicos mesopotámicos contribuyendo todos a un entorno intelectual y artístico compartido del que emergieron finalmente las tradiciones clásicas de la antigüedad.

El antiguo Cercano Oriente en general contribuyó con tradiciones musicales adicionales que influyeron en el desarrollo de la música en el mundo mediterráneo. Los hititas, los cananeos y los antiguos hebreos tuvieron todas ricas culturas musicales que están documentadas en diversas formas de escritura antigua. La Biblia hebrea contiene numerosas referencias a la música, desde los salmos atribuidos al rey David hasta el elaborado establecimiento musical del Templo de Jerusalén descrito en Crónicas. Los instrumentos mencionados en la Biblia hebrea, incluido el kinnor (un tipo de lira), el nevel (un arpa), el halil (una flauta), el shofar (una trompeta de cuerno de carnero) y varios instrumentos de percusión, reflejan la cultura musical del antiguo Israel y Judá desde aproximadamente el 1000 hasta el 500 a.C. El shofar, la trompeta de cuerno de carnero todavía utilizada en la observancia religiosa judía hasta el día de hoy, representa una de las continuidades más directas entre la práctica musical del antiguo Cercano Oriente y la vida religiosa moderna.

La música griega antigua y la teoría musical

La antigua Grecia ocupa una posición excepcionalmente fundamental en la historia de la música y la teoría musical. Los griegos no fueron los creadores de la música ni siquiera de la teoría musical, como lo deja claro la evidencia mesopotámica, pero fueron la civilización que sistematizó la teoría musical de maneras que resultarían fundamentales para todo el desarrollo posterior de la música occidental. La teoría musical griega, tal como fue desarrollada por pensadores como Pitágoras, Platón, Aristóteles, Aristóxeno y Ptolomeo, estableció marcos matemáticos para comprender los intervalos musicales, desarrolló conceptos de escala y modo que persistieron a través de la Edad Media y hacia el Renacimiento, y articuló argumentos filosóficos sobre las relaciones entre música, matemáticas, emoción y la formación moral de los seres humanos. La influencia del pensamiento musical griego en la tradición occidental difícilmente puede exagerarse.

La música en la antigua Grecia, desde el período arcaico del siglo ocho a.C. hasta la era helenística tras las conquistas de Alejandro Magno en el siglo cuatro a.C., se entendía como una fusión de melodía, ritmo y texto poético. La palabra griega mousike, de la cual deriva nuestra palabra música, se refería al arte completo de las Musas y abarcaba la poesía, la canción y la danza como un todo integrado. Muchos pensadores griegos consideraban que la música instrumental pura sin palabras era una forma de arte menor, admirada principalmente por su exhibición técnica pero carente del contenido moral e intelectual que el discurso debidamente educado podía proporcionar. Esta actitud hacia la relación entre texto y música persistiría, en diversas formas, a lo largo de toda la historia musical occidental, informando todo, desde el canto llano medieval hasta la estética operática de la Camerata en Florencia dos mil años después.

Los instrumentos más importantes en la vida musical de la antigua Grecia eran la kithara y el aulos. La kithara era una lira grande y elaborada con una caja de resonancia de madera plana y normalmente siete cuerdas, el instrumento de los músicos profesionales y el instrumento preferido de Apolo, el dios de la música y la poesía. La lira (lyra) más modesta, un instrumento más pequeño y sencillo con un cuerpo de resonancia de caparazón de tortuga, era el instrumento de aficionados y estudiantes y está asociada en la leyenda con su invención por el dios Hermes. El aulos era un instrumento de doble caña, algo parecido al oboe moderno pero típicamente tocado como dos tubos sostenidos simultáneamente, produciendo un sonido rico y algo estridente. Estaba asociado con Dionisio, el dios del vino y el éxtasis, y era el instrumento principal del teatro, los festivales atléticos, las ceremonias militares y algunas formas de culto religioso. El contraste entre la kithara y el aulos, entre Apolo y Dionisio, entre el orden racional y la liberación extática, se convirtió en una oposición cultural fundamental en el pensamiento griego antiguo que ha resonado a través de la estética occidental desde entonces.

La teoría matemática de los intervalos musicales atribuida a Pitágoras y sus seguidores en los siglos seis y cinco a.C. estableció uno de los marcos intelectuales más importantes en la historia de la música occidental. La historia, probablemente legendaria en sus detalles específicos, describe a Pitágoras escuchando el sonido armonioso de martillos sobre un yunque y descubriendo que los pesos de los martillos, cuando estaban en razones numéricas simples (1:2, 2:3, 3:4), producían intervalos musicales consonantes. Independientemente de si esta historia es literalmente cierta, captura la esencia de la intuición pitagórica de que la consonancia musical está basada en razones de números enteros simples y, por lo tanto, que la música es fundamentalmente un fenómeno matemático. La octava corresponde a una razón de frecuencia de 2:1, la quinta perfecta a 3:2, y la cuarta perfecta a 4:3. Estas relaciones, que pueden derivarse de la física de las cuerdas vibrantes, forman la base de lo que se denominó afinación pitagórica, un sistema que dominó la teoría musical occidental por más de mil años.

El enfoque pitagórico de la música la conectaba a un marco filosófico más amplio en el que el número era la realidad fundamental subyacente a todos los fenómenos. En esta visión, la armonía del cosmos, la musica universalis o música de las esferas, no era meramente una metáfora sino una estructura matemática literal que el estudio de la música podía ayudar a la mente humana a aprehender. Platón, profundamente influenciado por las ideas pitagóricas, argumentó en la República y el Timeo que la música era una forma de educación matemática que podía moldear el carácter de los ciudadanos para mejor o peor según los modos y ritmos empleados. Ciertos modos, como el dórico y el frigio, los consideraba apropiados para guerreros y ciudadanos; otros, asociados con el lujo y la lasitud, los consideraba moralmente peligrosos. Esta doctrina del ethos de los modos, la idea de que diferentes escalas y ritmos producen diferentes efectos morales y emocionales, fue una de las ideas más persistentes en la teoría musical antigua y medieval.

Aristóxeno de Tarento, un estudiante de Aristóteles en el siglo cuatro a.C., desarrolló un enfoque rival de la teoría musical que rechazaba el énfasis pitagórico en las razones numéricas en favor de un enfoque más empírico y basado en la percepción. Aristóxeno argumentó que el fundamento adecuado de la teoría musical no era la matemática abstracta sino el oído musical educado, el juicio de un oyente entrenado. Su Armónica, el tratado sistemático más antiguo sobre teoría musical que sobrevive, desarrolló un sofisticado análisis de escalas, intervalos y géneros (las tres formas básicas de subdividir el tetracordio, la unidad fundamental de la teoría escalar griega). Los tres géneros, diatónico, cromático y enarmónico, subdividen el intervalo de una cuarta de manera diferente, con el género enarmónico que presenta intervalos muy pequeños (cuartos de tono) que están ausentes de la música occidental moderna pero son comunes en muchas tradiciones no occidentales.

La música griega estaba organizada en torno a un sistema de escalas conocidas como modos o harmoniai. Los modos griegos (dórico, frigio, lidio