Histoire de la Musique et des Instruments

Introduction

La musique est l'une des expressions les plus anciennes et les plus universelles de la culture humaine, un phénomène si profondément tissé dans le tissu de l'expérience humaine qu'aucune civilisation dans l'histoire enregistrée n'a existé sans elle. Des premières flûtes en os sculptées par les chasseurs paléolithiques aux compositions générées algorithmiquement du vingt et unième siècle, des hymnes sacrés des prêtres mésopotamiens aux riffs de guitare électrifiés qui ont secoué le milieu du vingtième siècle, l'histoire de la musique est inséparable de l'histoire de l'humanité elle-même. L'histoire des instruments de musique suit ce voyage, chaque nouvelle technologie du son ouvrant de nouveaux horizons d'expression, de rituel, de communication et de beauté artistique.

La musique a servi toutes les finalités humaines imaginables à travers les siècles. Elle a accompagné les cérémonies religieuses et les funérailles, inspiré les armées et bercé les nourrissons, marqué les saisons et célébré les récoltes, exprimé l'amour et formulé le chagrin, défié l'autorité politique et renforcé les hiérarchies sociales. Elle a été un vecteur de mémoire collective dans les cultures sans écriture, préservant les généalogies, les lois et les cosmologies sous forme mélodique bien avant l'invention de l'alphabet. Les traditions musicales les plus anciennes du monde entier démontrent à quel point la musique satisfait quelque chose d'essentiel dans la psychologie humaine, quelque chose qui se situe en dessous du niveau du langage et parle directement à l'émotion, au mouvement et à l'appartenance sociale.

L'histoire mondiale de la musique est aussi une histoire de contact, d'échange et de transformation. Aucune tradition musicale ne s'est jamais développée dans un isolement complet. Les routes commerciales transportaient des instruments et des gammes à travers les continents. La conquête et la colonisation ont forcé les cultures musicales à se rencontrer, parfois de manière violente, parfois de manière créatrice. La traite transatlantique des esclaves a transplanté les sensibilités musicales africaines dans les Amériques, où elles allaient finalement donner naissance au blues, au jazz, au rock and roll et à des dizaines d'autres genres qui ont remodelé l'écoute du monde entier. La Route de la Soie a apporté le luth vers l'ouest depuis l'Asie centrale jusqu'à ce qu'il devienne le fondement de la musique européenne de la Renaissance. L'histoire de la musique est, à bien des égards, une histoire de migration humaine et de rencontre, d'idées franchissant les frontières et prenant racine dans un nouveau sol.

Comprendre l'histoire de la musique et l'évolution des instruments de musique nécessite une attention portée à la fois au matériel et au culturel. Les instruments sont des objets physiques façonnés par les matériaux disponibles dans des environnements particuliers, par les connaissances techniques de leurs fabricants, par les idéaux esthétiques et les besoins rituels de communautés particulières. Une flûte en bambou d'Asie du Sud-Est reflète l'écologie et le savoir-faire de sa région. Un cor en laiton d'un orchestre européen du dix-neuvième siècle reflète la métallurgie industrielle de son époque. Une station de travail audio numérique reflète la révolution informatique de la fin du vingtième siècle. Chaque instrument est un artefact de son temps et de son lieu, une expression concentrée de la civilisation qui l'a produit.

Cette étude complète retrace l'histoire complète de la musique et des instruments de musique, des civilisations anciennes à l'industrie musicale moderne, en passant par la préhistoire, l'Antiquité, la période médiévale, la Renaissance, les époques baroque, classique et romantique, et jusqu'aux vingtième et vingt et unième siècles. Elle examine la musique savante européenne aux côtés des riches traditions d'Asie, d'Afrique, des Amériques et du Moyen-Orient, reconnaissant que le canon classique occidental, aussi magnifique soit-il, ne représente qu'un seul fil dans une tapisserie mondiale extraordinairement diverse. Elle retrace le développement de la théorie musicale, de la notation et de la technologie de reproduction du son aux côtés de l'histoire des compositeurs, des interprètes et des genres. Et elle accorde une attention particulière aux dimensions sociales et politiques de l'histoire musicale, aux façons dont la musique a été liée aux questions de pouvoir, d'identité, de résistance et d'appartenance.

L'article qui suit est organisé de manière thématique et chronologique, passant des premières preuves d'activité musicale à la préhistoire aux grandes traditions du monde antique, à l'épanouissement de la musique savante européenne aux périodes médiévale et moderne, aux traditions vernaculaires de la musique folklorique à travers le globe, et à la diversification explosive des formes musicales à l'époque moderne. Il se conclut par une étude de l'industrie musicale contemporaine, un système aussi complexe et important que n'importe quel autre dans le monde culturel, façonné par la révolution numérique, les réseaux de communication mondiaux et l'appétit humain durable pour le son organisé.

La musique préhistorique et les instruments les plus anciens

La recherche des origines de la musique nous plonge dans la préhistoire humaine, à une époque avant l'écriture, avant l'agriculture, avant les villes, avant la civilisation telle que nous la comprenons généralement. Les preuves sont fragmentaires et souvent ambiguës, mais elles indiquent sans équivoque que la création musicale figure parmi les comportements humains les plus anciens, précédant de dizaines de milliers d'années les premiers documents écrits. La question de savoir quand les êtres humains ont commencé pour la première fois à faire de la musique est l'une des plus fascinantes et des plus débattues de tout le domaine de la préhistoire, touchant à des questions fondamentales sur la nature de la cognition humaine, du langage, du comportement social et de l'expérience esthétique.

Les plus anciens instruments de musique confirmés à ce jour sont un ensemble de flûtes en os et en ivoire trouvées dans des grottes du sud-ouest de l'Allemagne, notamment dans la région du Jura souabe. La plus célèbre d'entre elles est la Flûte en os de vautour découverte dans la grotte de Hohle Fels, datée d'environ 40 000 ans, ce qui la place fermement dans le Paléolithique supérieur et l'associe aux humains anatomiquement modernes. La flûte est fabriquée à partir de l'os de l'aile d'un vautour fauve et possède cinq trous pour les doigts, suggérant une capacité mélodique qui va bien au-delà d'un simple bruit. Une deuxième flûte de la même période, trouvée à Hohle Fels et fabriquée en ivoire de mammouth, démontre que les premiers humains utilisaient plusieurs matériaux et techniques pour construire des instruments. D'autres flûtes des grottes voisines de Vogelherd et de Geissenklosterle ont été datées de périodes similaires, représentant collectivement la plus ancienne tradition connue de fabrication d'instruments de musique au monde.

Ce qui est remarquable avec ces instruments, ce n'est pas seulement leur âge, mais leur sophistication technique. La Flûte en os de vautour, lorsqu'elle est reconstituée et jouée, est capable de produire une gamme diatonique complète, ce qui suggère que son créateur avait développé une compréhension systématique des relations de hauteur de son. Le choix des matériaux, la précision des trous pour les doigts et la qualité de fabrication générale indiquent que celui qui a fabriqué ces instruments n'expérimentait pas aveuglément, mais travaillait dans le cadre d'une tradition établie de savoir artisanal. Cela signifie que la pratique de la fabrication et du jeu de flûtes doit avoir commencé encore plus tôt, peut-être considérablement, dans une période dont aucun instrument n'a encore survécu.

La question de savoir si les Néandertaliens faisaient également de la musique est l'un des sujets les plus vivement débattus en archéologie préhistorique. Un fragment d'os trouvé dans la grotte de Divje Babe en Slovénie, daté d'environ 50 000 à 60 000 ans et attribué par certains chercheurs à une occupation néandertalienne, a été interprété par certains spécialistes comme une flûte, avec des trous correspondant à une gamme diatonique. D'autres chercheurs soutiennent que les trous sont le résultat de la morsure d'un carnivore plutôt que d'une fabrication délibérée. La controverse reste non résolue, mais la possibilité que les Néandertaliens aient été des êtres musicaux a des implications profondes pour notre compréhension des capacités cognitives des humains archaïques et pour l'histoire évolutive de la musique elle-même.

Au-delà des flûtes, les instruments les plus anciens du monde préhistorique comprenaient des instruments à percussion de diverses sortes. Des roches frappées l'une contre l'autre, des os utilisés comme claquettes, des troncs évidés frappés avec des bâtons, des peaux d'animaux tendues servant de tambours, des hochets fabriqués à partir de gourdes ou de vessies d'animaux remplies de cailloux : tout cela peut être déduit du dossier archéologique même lorsque les preuves directes sont rares. Les peintures rupestres de sites tels que Lascaux en France et Altamira en Espagne, datant d'il y a environ 15 000 à 30 000 ans, représentent parfois des personnages dans des postures suggérant la danse, et certains chercheurs ont soutenu que les propriétés acoustiques de chambres spécifiques de grottes, qui produisent des effets d'écho et de résonance remarquables, étaient délibérément exploitées pour les rituels musicaux. Les parois de certaines grottes décorées semblent correspondre à des zones d'une qualité acoustique particulièrement riche, ce qui suggère que les peintures et la musique faisaient partie d'une expérience cérémonielle intégrée.

Les finalités de la musique préhistorique ne peuvent être qu'inférées, mais plusieurs hypothèses ont retenu l'attention des spécialistes. Darwin lui-même avait suggéré que la musique pouvait avoir évolué comme une forme de sélection sexuelle, une hypothèse qui a été relancée et élaborée par des psychologues évolutionnistes. D'autres ont soutenu que la musique a évolué comme un outil de cohésion sociale, permettant à de plus grands groupes d'humains primitifs de maintenir leur cohésion en l'absence du toilettage personnel qui remplit cette fonction dans les groupes de primates plus petits. Geoffrey Miller et d'autres théoriciens évolutionnistes ont proposé que la musique, comme le langage, était un sous-produit d'adaptations cognitives évoluées à d'autres fins. Steven Mithen a soutenu que la musique précédait le langage et servait de précurseur à la parole articulée, une vision qu'il appelle communication Hmmmmm (holistique, manipulatrice, multimodale, musicale et mimétique).

L'histoire de la musique et des instruments de musique à l'époque préhistorique comprend également le développement de simples cordophones et idiophones. L'arc musical, un arc de chasse tenu contre la bouche et pincé pour produire un son, se retrouve dans les cultures indigènes de plusieurs continents et est considéré comme représentant l'un des concepts d'instruments à cordes les plus anciens, précédant peut-être de plusieurs milliers d'années les lyres et les harpes plus complexes du monde antique. Les rhombes, de petits morceaux de bois plats que l'on fait tournoyer au bout d'une corde pour produire un bruit sourd, ont été trouvés sur des sites archéologiques de plusieurs continents et apparaissent dans des traditions rituelles vivantes en Australie, en Afrique et dans les Amériques, ce qui suggère une grande antiquité.

L'émergence de la musique dans la préhistoire humaine était presque certainement liée au développement du langage, de la religion et de l'organisation sociale. La musique et le rituel semblent avoir été inséparables dans les premières communautés humaines, une connexion qui persiste dans de nombreuses cultures traditionnelles jusqu'à nos jours. La répétition rythmique qui caractérise une grande partie de la musique peut être liée à des états de conscience altérés, les états de transe induits par le tambour qui jouent un rôle central dans les traditions chamaniques du monde entier. Les grottes allemandes qui ont livré les plus anciennes flûtes connues contiennent également certains des plus anciens arts figuratifs connus, notamment la célèbre sculpture de l'Homme-lion, ce qui suggère que la musique, les arts visuels et la pensée symbolique faisaient partie d'une seule révolution cognitive qui a transformé la culture humaine il y a environ 40 000 ans.

L'étude de l'ethnomusicologie, l'étude comparative de la musique de différentes cultures, apporte une perspective supplémentaire sur les pratiques musicales préhistoriques. De nombreuses caractéristiques qui semblent être universelles ou quasi universelles dans la musique humaine, comme l'utilisation de niveaux de hauteur de son discrets plutôt que de glissements continus, l'organisation du rythme en schémas réguliers, l'utilisation de la répétition et de la variation, et l'association de la musique avec l'activité communautaire, peuvent refléter des caractéristiques profondes de la cognition humaine qui ont évolué dans le passé préhistorique. La remarquable cohérence de certaines gammes musicales entre des cultures qui n'avaient aucun contact historique les unes avec les autres, comme l'occurrence répandue de gammes pentatoniques en Asie, en Afrique et dans l'Amérique précolombienne, a été citée comme preuve que certains aspects de la perception musicale sont intégrés dans le système auditif humain plutôt que d'être de pures conventions culturelles.

À mesure que les populations humaines se répandaient à travers le globe à la suite de la dernière ère glaciaire et développaient finalement l'agriculture et des sociétés sédentaires, les pratiques musicales se diversifièrent énormément. Les différents environnements écologiques encouragèrent le développement de différents instruments. Les roseaux poussant dans les environnements riverains conduisirent naturellement aux flûtes et aux chalumeaux en roseau. La disponibilité de grands os d'animaux encouragea le développement des instruments en os. Les traditions de travail des métaux produisirent finalement des cloches et des cors en bronze. Les cultures musicales spécifiques qui émergèrent dans différentes parties du monde reflétèrent les matériaux, les structures sociales et les visions du monde spirituelles de leurs communautés respectives, même si elles partageaient certaines caractéristiques fondamentales qui témoignaient d'un héritage musical humain commun remontant aux grottes paléolithiques d'Europe.

La musique dans la Mésopotamie et l'Égypte antiques

Les civilisations de la Mésopotamie antique et de l'Égypte, les deux grandes cultures des vallées fluviales du Proche-Orient antique, ont produit les premiers documents écrits sur la pratique musicale dans l'histoire humaine. Ces documents, inscrits en cunéiforme sur des tablettes d'argile et en hiéroglyphes sur du papyrus et de la pierre, révèlent des cultures musicales sophistiquées avec des instruments élaborés, des musiciens professionnels, des fonctions religieuses complexes pour la musique, et même, dans le cas mésopotamien, ce qui semble être les premiers exemples connus de notation musicale écrite. L'histoire de la musique antique dans ces deux civilisations éclaire le rôle du son organisé dans l'émergence des sociétés complexes et les façons dont la musique s'est intégrée dans les structures religieuses, politiques et économiques des premiers États.

En Mésopotamie, la terre entre le Tigre et l'Euphrate dans ce qui est aujourd'hui l'Irak, la musique jouait un rôle central dans la vie religieuse des premières cités-États sumériennes, à partir d'environ 3500 av. J.-C. Les temples de Sumer maintenaient de grands établissements musicaux, dotés de musiciens professionnels formés dès l'enfance et servant les dieux par leur jeu. Des hymnes étaient chantés à des divinités telles qu'Inanna, Nanna et Enlil, et l'exécution de ces hymnes était considérée comme un acte de dévotion et un moyen de maintenir l'ordre cosmique. Les musiciens des temples occupaient une position sociale respectée, leurs salaires et leurs rations étant enregistrés dans les méticuleuses bureaucraties sumériennes.

Les instruments de l'ancienne Sumer étaient variés et sophistiqués. La lyre au taureau, un grand cordophone avec une caisse de résonance décorée d'une tête de taureau, figure parmi les artefacts les plus spectaculaires ayant survécu de cette période. Plusieurs exemplaires remarquablement conservés ont été récupérés dans le Cimetière royal d'Ur, fouillé par Leonard Woolley dans les années 1920, et datés d'environ 2500 av. J.-C. Ces instruments, enterrés avec leurs propriétaires royaux et les musiciens qui les jouaient, nous donnent une idée vivante de l'importance de la musique aux plus hauts niveaux de la société sumérienne. Les lyres d'Ur avaient entre quatre et onze cordes et étaient jouées par des musiciens assis, comme le représente la célèbre mosaïque de l'Étendard d'Ur.

Parmi les autres instruments importants de la Mésopotamie figuraient le sammum (une petite lyre), divers types de flûtes et de tuyaux en roseau, des tambours sur cadre et des timbales. La timbale en particulier avait une signification sacrée dans la religion mésopotamienne, et sa fabrication et son utilisation étaient régies par des procédures rituelles élaborées. Un groupe de textes cunéiformes connus sous le nom de série nabnitu, datant du premier millénaire av. J.-C., décrit des procédures d'accord pour les lyres en des termes qui peuvent être interprétés comme représentant sept schémas de gammes ou modes différents, témoignant d'une compréhension théorique sophistiquée des intervalles musicaux.

La preuve la plus remarquable de la pensée musicale mésopotamienne antique est l'Hymne hourrite à Nikkal, une tablette cunéiforme découverte dans l'ancienne ville d'Ougarit (en Syrie moderne) et datée d'environ 1400 av. J.-C. Cette tablette contient ce qui est largement considéré comme le plus ancien morceau de musique pour lequel nous disposons à la fois d'une notation et d'une interprétation raisonnablement sûre. L'hymne est dédié à Nikkal, la déesse hourrite des vergers et épouse du dieu de la lune. Si le sens exact de la notation reste sujet à débat entre spécialistes, l'existence d'une musique écrite à cette date démontre que les musiciens du Proche-Orient antique avaient développé des systèmes abstraits pour représenter les structures musicales sous forme écrite, un remarquable accomplissement intellectuel.

Babylone, la civilisation qui a succédé à Sumer dans le sud de la Mésopotamie, a maintenu et développé ces traditions musicales. La théorie musicale babylonienne, telle qu'elle a été reconstituée à partir de textes cunéiformes, semble avoir reconnu un système de gammes basé sur l'accord d'un instrument à neuf cordes, avec des relations entre les cordes décrites en des termes qui anticipent les théories musicales grecques et européennes médiévales ultérieures. La découverte de ces connexions a conduit certains spécialistes à proposer que la théorie musicale du Proche-Orient antique était un ancêtre direct des systèmes théoriques qui se développeraient finalement dans la Grèce antique et, à travers la Grèce, dans l'Europe médiévale et de la Renaissance.

Dans l'Égypte antique, la musique était également ancrée dans les cérémonies religieuses et royales, ainsi que dans la vie quotidienne. La culture musicale égyptienne, qui a prospéré le long du Nil d'environ 3000 av. J.-C. jusqu'à la conquête romaine, a laissé un riche dossier matériel sous la forme d'instruments survivants, de peintures murales, de sculptures et de références textuelles. Les Égyptiens fabriquaient et jouaient d'une remarquable variété d'instruments. La harpe arquée, connue sous le nom de benet, était l'un des instruments les plus prestigieux de l'Égypte ancienne, jouée lors des banquets et des cérémonies du temple. Les harpes égyptiennes allaient de petits instruments tenus à l'épaule à de grands modèles posés au sol avec plusieurs cordes, et elles apparaissent fréquemment dans des peintures et des reliefs représentant des musiciens de cour jouant devant la royauté.

L'aulos, un instrument à vent à double anche, était également populaire dans l'Égypte antique et dans le monde antique au sens large, de même que divers types de flûtes. Les Égyptiens développèrent très tôt la flûte traversière, tenue horizontalement sur le côté, et des exemples ont survécu de la période de l'Ancien Empire, vers 2700 av. J.-C. Les instruments à percussion étaient particulièrement présents dans la musique égyptienne antique, notamment les sistrums (des hochets avec des disques métalliques enfilés sur un cadre, sacrés pour la déesse Hathor), des claquettes en ivoire ou en os, divers types de tambours et des cymbales. Le sistrum était si étroitement associé au rituel religieux que sa forme est devenue un signe hiéroglyphique.

Les musiciens égyptiens occupaient diverses positions sociales selon leur fonction. Les musiciens des temples, comme leurs homologues mésopotamiens, servaient les dieux et faisaient partie de l'établissement religieux. Les musiciennes, y compris les interprètes professionnelles et les prêtresses, jouaient un rôle important dans la vie musicale égyptienne, en particulier en association avec la déesse Hathor, qui était considérée comme la patronne divine de la musique, de la danse et de l'amour. La figure de Bès, une divinité domestique populaire associée à la protection, à la musique et à la gaieté, était souvent représentée jouant d'un tambourin, reflétant l'intégration de la musique dans la vie religieuse domestique et populaire.

Les peintures murales des tombes et des temples égyptiens offrent des représentations vivantes de l'exécution musicale dans une variété de contextes. Les peintures des tombes du Nouvel Empire en particulier montrent des scènes de banquets avec des orchestres de harpes, de luths, de flûtes, de hautbois et d'instruments à percussion, souvent accompagnés de danseurs. Ces scènes révèlent que l'exécution musicale égyptienne antique impliquait non seulement le son, mais l'intégration de la musique, de la danse et du spectacle visuel dans une expérience sensorielle totale. Le luth, qui apparaît en Égypte vers 1580 av. J.-C., est probablement arrivé par des routes commerciales depuis la Mésopotamie ou le Levant et s'est finalement répandu vers l'ouest pour devenir l'un des instruments les plus importants du monde méditerranéen antique.

La relation entre la musique égyptienne antique et la musique grecque antique est un sujet d'investigation continue. Des écrivains grecs antiques tels que Platon et Hérodote ont reconnu une dette envers la culture égyptienne, et certains spécialistes modernes ont soutenu que des éléments de la théorie musicale grecque, notamment la gamme pentatonique et certains systèmes d'accord, ont pu être transmis depuis l'Égypte par le biais de contacts et d'échanges culturels. Le monde méditerranéen oriental du deuxième et du premier millénaire av. J.-C. était une zone d'intense interaction culturelle, où les commerçants phéniciens, les émissaires égyptiens, les colons grecs et les érudits mésopotamiens contribuaient tous à un environnement intellectuel et artistique partagé dont sont finalement issues les traditions classiques de l'Antiquité.

Le Proche-Orient antique au sens large contribua des traditions musicales supplémentaires qui influencèrent le développement de la musique dans le monde méditerranéen. Les Hittites, les Cananéens et les anciens Hébreux avaient tous des cultures musicales riches, documentées sous diverses formes d'écriture ancienne. La Bible hébraïque contient de nombreuses références à la musique, des psaumes attribués au roi David à l'élaboration musicale du Temple de Jérusalem décrite dans les Chroniques. Les instruments mentionnés dans la Bible hébraïque, notamment le kinnor (un type de lyre), le nevel (une harpe), le halil (une flûte), le shofar (une trompette en corne de bélier) et divers instruments à percussion, reflètent la culture musicale de l'Israël et de la Juda antiques, d'environ 1000 à 500 av. J.-C. Le shofar, la trompette en corne de bélier encore utilisée dans la pratique religieuse juive jusqu'à nos jours, représente l'une des continuités les plus directes entre la pratique musicale du Proche-Orient antique et la vie religieuse moderne.

La musique grecque antique et la théorie musicale

La Grèce antique occupe une position pivot unique dans l'histoire de la musique et de la théorie musicale. Les Grecs n'étaient pas les créateurs de la musique ni même de la théorie musicale, comme le montrent clairement les preuves mésopotamiennes, mais ils étaient la civilisation qui a systématisé la théorie musicale de manières qui se révéleraient fondamentales pour tout le développement ultérieur de la musique occidentale. La théorie musicale grecque, telle qu'elle a été développée par des penseurs comme Pythagore, Platon, Aristote, Aristoxène et Ptolémée, a établi des cadres mathématiques pour comprendre les intervalles musicaux, développé des concepts de gamme et de mode qui ont persisté tout au long du Moyen Âge et de la Renaissance, et articulé des arguments philosophiques sur les relations entre la musique, les mathématiques, les émotions et la formation morale des êtres humains. L'influence de la pensée musicale grecque sur la tradition occidentale ne saurait être surestimée.

La musique dans la Grèce antique, de la période archaïque du huitième siècle av. J.-C. jusqu'à l'ère hellénistique après les conquêtes d'Alexandre le Grand au quatrième siècle av. J.-C., était comprise comme une fusion de mélodie, de rythme et de texte poétique. Le mot grec mousike, dont dérive notre mot musique, se référait à l'art entier des Muses et englobait la poésie, le chant et la danse comme un tout intégré. La musique instrumentale pure sans paroles était considérée par de nombreux penseurs grecs comme une forme d'art inférieure, admirée principalement pour sa démonstration technique mais dépourvue du contenu moral et intellectuel qu'un discours proprement éduqué pouvait fournir. Cette attitude envers la relation entre le texte et la musique persisterait, sous diverses formes, tout au long de l'histoire musicale occidentale, influençant tout, du plain-chant médiéval à l'esthétique opératique de la Camerata à Florence deux mille ans plus tard.

Les instruments les plus importants de la vie musicale grecque antique étaient la cithare et l'aulos. La cithare était une grande lyre élaborée avec une caisse de résonance en bois plat et généralement sept cordes, l'instrument des musiciens professionnels et l'instrument favori d'Apollon, le dieu de la musique et de la poésie. La lyre (lyra) plus modeste, un instrument plus petit et plus simple avec une caisse de résonance en carapace de tortue, était l'instrument des amateurs et des étudiants et est associée dans la légende à son invention par le dieu Hermès. L'aulos était un instrument à double anche, un peu comme un hautbois moderne mais généralement joué comme deux tuyaux tenus simultanément, produisant un son riche et quelque peu strident. Il était associé à Dionysos, le dieu du vin et de l'extase, et était l'instrument principal du théâtre, des festivals athlétiques, des cérémonies militaires et de certaines formes de culte religieux. Le contraste entre la cithare et l'aulos, entre Apollon et Dionysos, entre l'ordre rationnel et la libération extatique, devint une opposition culturelle fondamentale dans la pensée grecque antique qui a résonné à travers l'esthétique occidentale depuis lors.

La théorie mathématique des intervalles musicaux attribuée à Pythagore et à ses disciples aux sixième et cinquième siècles av. J.-C. établit l'un des cadres intellectuels les plus importants de l'histoire de la musique occidentale. L'histoire, probablement légendaire dans ses détails, décrit Pythagore entendant le son harmonieux de marteaux sur une enclume et découvrant que les poids des marteaux, lorsqu'ils se trouvent dans des rapports numériques simples (1:2, 2:3, 3:4), produisent des intervalles musicaux consonants. Que cette histoire soit littéralement vraie